progresiva70s

Programa Nº 85

2010-05-05T00:24:00.000-03:00

Este miércoles recordaremos los trabajos del año 1970 de Pink Floyd, incluyendo lo editado como banda, bandas de sonido, recitales y los trabajos solistas de Syd Barrett.

PROGRAMA Nº 84

2010-04-28T10:34:00.000-03:00

Este miércoles nos trasladamos a la escena alemana en los '70, para escuchar Krautrock en vivo.

Con Xhol Caravan y Soul Caravan, Agitation Free, Brainstorm, Grobsnichtt, Birth Control, Tangerine Dream y Amon Duul II.

PROGRAMA Nº82

2010-04-14T20:10:00.001-03:00

Este miércoles escucharemos un poco de Canterbury, pero esta vez todo en vivo.

Con Soft Machine, Caravan, Matching Mole, Hatfield & the North y Kevin Ayers.

Bajalo

PROGRAMA Nº81

2010-04-07T00:01:00.002-03:00

Este miércoles escucharemos rock japonés de los '70s.

Con Kuni Kawachi, Flower Travellin'Band, Yonin Bayashi y Speed Glue & Shinki.

Bajalo

PROGRAMA Nº 80

2010-03-31T01:23:00.002-03:00

Este miércoles compartiremos parte de la escena peruana a comienzos de los '70.

Con Traffic Sound, Tarkus, Gerardo Manuel y el Humo, Laghonia, Pax, Los Saicos y Jean Paul.

BAJAR

Programa Nº79

2010-03-24T17:57:00.003-03:00

Este miércoles, novedades de Cuneifom Records: Algernon con Ghost Surveillance, Univers Zero con Clivages, y Brown vs Brown con Odds and Unevens, más uno que nos quedó colgado del 2009, Cheer-Accident con Fear Draws Misfortune.

BAJAR

PROGRAMA Nº78

2010-03-17T19:56:00.003-03:00

Este miércoles nos dedicaremos a escuchar álbumes recientemente editados.

Y cómo no empezar con Jimi Hendrix y su "nuevo" Valleys of Neptune.

Tendremos a Doubt, con Never pet a burning dog, y a Fromuz, con Seventh Story.

Desde Argentina, el adelanto de dos nuevas obras: Lumbre, con El nido de los ojos y el oido!, y Galápagos, con Desierto Avant Garde.

BAJAR

PROGRAMA Nº77

2010-03-10T10:28:00.001-03:00

Este miércoles escucharemos cuatro álbumes editados en 1970 en Alemania.

Embryo (Opal), Can (Soundtracks), Amon Duul II (Yeti) y Out of Focus (Wake up).

BAJAR

PROGRAMA Nº76

2010-03-03T02:35:00.002-03:00

Comenzaremos el nuevo ciclo, el 3º de Progresiva70s, haciendo honor a obras editadas precisamente en el año que da nombre al programa.

Año '70 en Inglaterra, con Yes, Cressida, Gracious y Curved Air.

Los esperamos.

BAJAR

PROGRAMA Nº73

2009-12-02T20:13:00.001-03:00

Programa especial, recorriendo África en los '70; especialmente Nigeria, Ghana, Benin, Togo.

BAJAR

Programa Nº72

2009-11-25T18:23:00.000-03:00

PROGRAMA Nº 72 (Miércoles 25 de Noviembre de 2009):
Este miércoles estará dedicado principalmente a la 6ª edición de Sinfo Prog La Plata Fest, contando con la visita en el estudio de músicos y organizadores.
También tendremos un espacio donde escucharemos a Alice Coltrane, entre otros.

BAJAR

PROGRAMA Nº69

2009-11-04T22:45:00.001-03:00

Este miércoles nos detenemos en las primeras formaciones de King Crimson, recordando el segundo disco, In the Wake of Poseidon, y los trabajos paralelos de algunos de sus integrantes.
También escucharemos parte del último trabajo de Cabezas de Cera, quienes visitan al país esta semana.

Escuchalo: Bajar

PROGRAMA Nº 68

2009-10-28T11:33:00.000-03:00

Este miércoles recibiremos a integrantes de Hongo y de Gran Cuervo, quienes nos acompañarán escuchando su música.

Luego escucharemos trabajos de algunos famosos músicos que integraron grandes bandas, pero antes de ocupar un lugar en ellas.

Entre algunas de las elegidas: Simon Dupree and The Big Sound, Architectural Abdabs, The Syn, Boz y Giles, Giles & Fripp.

PROGRAMA Nº 67

2009-10-21T12:01:00.000-03:00

Este miércoles recibiremos a integrantes de Retsam Suriv, Akenathon, Byron y Baalbek, quienes participarán del próximo Master Prog Fest 2009, a realizarse en La Plata, el 7 de Noviembre.

Luego escucharemos a Contact y Kultivator, de Suecia.

PROGRAMA Nº66

2009-10-14T11:59:00.000-03:00

Un especial dedicado a CDs editados durante el 2009:
De MoonJune Records: Moraine con su Manifest Density y Hodsworth - Pascua, Haslip, Wackerman con Blues For Tony. Además Beppe Crovella (Arti & Mestieri) con su álbum solista Pianovagando, gentilmente enviado por Leonardo Pavlovic.

De Argentina escucharemos las reediciones de La Cofradía de la Flor Solar y El Reloj, además de la primera edición en CD de Inspiración de Ara Tokatlian y el maestro Enrique Villegas, y un trabajo en vivo, recientemente editado, de Pastoral.

PROGRAMA Nº65

2009-10-07T12:00:00.000-03:00

Este miércoles tendremos un programa especial, algo diferente a lo que hacemos habitualmente.
Esta semana nos visitan, tanto en Capital como en La Plata, un grupo de fans del progresivo, la música que habitualmente escuchamos y difundimos. Y como forma de agasajarlos, dejamos que sean algunos de ellos quienes seleccionen qué les gustaría que compartamos en este día.

PROGRAMA Nº64

2009-09-30T11:59:00.000-03:00

Este miércoles recordaremos y escucharemos 4 discos de la escena alemana de los '70:
Kraan con Wintrup, Amon Duul II con Wolf City, Eloy con su primer disco homónimo, y Faust IV.

PROGRAMA Nº63

2009-09-23T11:56:00.000-03:00

Este miércoles recordaremos a las voces femeninas del progresivo en los '70, en Europa.
Entre otras escucharemos trabajos de Sonja Cristina (Curved Air), Annie Haslam (Rennaisance), Linda Hoyle (Affinity), Anna Meek (Catapilla), Renate Knaup (Ammon Dull II), Inga Rumpf (Frumpy), Rossi Muller (Ashra Ra Temple), Donella Del Monaco (Opus Avantra), Rose Podwojny (Sandrose), Dagmar Krausse (Slap Happy), Carol Grimes (Delivery), y más...

PROGRAMA Nº62

2009-09-16T09:06:00.000-03:00

Debido a la reciente edición del disco "Viva Belice", charlaremos con integrantes de Daddy Antogna y los de Helio, Nicolás Diab, Alan Courtis y Daddy Antogna. Además escucharemos durante el programa música de los grupos en los que participaron, como Ave Rock, Orion's Beethoven, UL, Las Orejas y la Lengua y otros.

PROGRAMA Nº61

2009-09-09T09:05:00.000-03:00

Bélgica en los 70'. Rock, fusión, progresivo...
Con Placebo, Waterloo, Machiavel, Cos, Pazop, Lagger Blues Machine...

Podés bajar el programa:
http://www.mediafire.com/?jgwu1mzdkdj

PROGRAMA Nº60

2009-09-02T10:38:00.000-03:00

Este miércoles tendremos un programa dedicado al hard rock de los '70 en Canadá.
Con Dionysos, A Foot in Coldwater, Warpig, Steppenwolf y otros.

Nos visitarán los integrantes de Milica, escucharemos su música y otras bandas de su interés.

PROGRAMA Nº59

2009-08-26T07:51:00.000-03:00

Este miércoles tendremos un programa dedicado al hard rock a principios de los '70 en Gran Bretaña.

Con Bram Stoker, N.S.U., Stray, Atomic Rooster, Black Widow, High Tide, Three Man Army, Quicksand, Hawkwind, Uriah Heep, Jerusalem, Fuzzy Duck y otros.

PROGRAMA Nº58

2009-08-19T12:06:00.000-03:00

Este miércoles tendremos un programa dedicado al folk francés en los '70.
Con Malicorne, Subway, Emmanuele Parrenin, Wurtemberg, Gwendal y Avaric.

PROGRAMA Nº56

2009-08-05T22:54:00.000-03:00

Este miércoles continuaremos recordando los álbumes de Premiata Forneria Marconi, en este caso los de los años 74-75.
Además revisaremos la fusión checoslovaca en los '70.

Bajalo

PROGRAMA Nº55

2009-07-29T17:42:00.000-03:00

Este miércoles tendremos un programa dedicado a los dos primeros álbumes de Premiata Forneria Marconi.
Además recordaremos el primer álbum de la banda italiana Delirium, y su reciente último trabajo.

BAJALO

PROGRAMA Nº51

2009-06-24T15:17:00.000-03:00

Este miércoles recorreremos parte de la discografía de Gentle Giant, con sus primeros álbumes (1970-1973).
Miles Davis, nos trae en 1976 a Agartha, retomando la fusión en el programa.
Y siguiendo con los trabajos que cumplen 40 años, Jethro Tull con Stand Up.

PROGRAMA Nº50

2009-06-17T10:34:00.000-03:00

Progresiva70s radio llega este miércoles a los 50 programas. Mientras festejamos, haremos un repaso de los discos que cumplen décadas exactas (40, 30, 20...) y son del gusto de quienes hacemos el programa.

Les agradecemos a quienes nos escuchan y permiten que hayamos llegado a los primeros 50, compartiendo la música que nos gusta.

PROGRAMA Nº49

2009-06-10T10:32:00.000-03:00

Este miércoles repasaremos algunos trabajos del sello Luna Negra, especialmente con bandas mexicanas.
Con Cabezas de Cera, Oxomaxoma, Saena, 1870, Banda Elástica, etc.

También rocordaremos al recientemente fallecido Hugh Hooper, de presencia constante en el programa.
Para el final, homenaje ... que todos conocemos.

PROGRAMA Nº48

2009-06-03T19:48:00.000-03:00

Especial: Rock en Suecia, con ediciones del año 1969.
Con Pepes & Blues Quality, Pugh Rogefeldt, International Harvester, Mecki Mark Men, Made in Sweden y Hansson & Karlsson.

Y como aperitivo antes del show del sábado 6, recordamos a Damo Suzuki, con uno de sus trabajos en Can: Ege Bamyasi.

PROGRAMA Nº47

2009-05-27T19:46:00.000-03:00

Especial: Rock en Alemania, con ediciones del año 1969.
Con The Shiver, Tangerine Dream, Amon Düül II, Limbus, Kraftwerk, Xhol Caravan, Krokodil y Erna Schmidt.

PROGRAMA Nº 46

2009-05-20T09:28:00.000-03:00

Este miércoles haremos un homenaje a Carlos "Pocho" Lapouble, quien recientemente nos dejó.
De sus innumerables trabajos, elegimos aquellos que más se acercan a la tónica de nuestro programa:
con El Trio Lapouble-Lew-Cevasco, Jazz Band de Free, Jorge López Ruiz, Alfredo Remus, Matías Pizarro, Rodolfo Mederos y Generación Cero, Quinteplus y Gato Barbieri.

PROGRAMA Nº 45

2009-05-13T09:25:00.000-03:00

En esta oportunidad recibiremos la visita de los platenses de Retsam Suriv. Con ellos charlaremos y compartiremos su música.

Recordamos a los holandeses The Golden Earring, y de USA a The Masters Of Deceit – Hensley’s Electric Jazz Band & Synthetic Symphonette y After All. Todos ellos con trabajos de 1969.
De Francia: Honeyelk y Rahman, con trabajos de 1979.

PROGRAMA Nº 43

2009-04-29T09:19:00.000-03:00

En esta oportunidad recordaremos una olvidada banda inglesa: Samurai.

Un gran disco, una obra maestra que cumple 30 años: Exposure, solista de Robert Fripp. Con Daryl Hall, Peter Gabriel, Peter Hammill, Phil Collins, Tony Levin, Jerry Marota, Terre Roche y otros.

PROGRAMA Nº 42

2009-04-22T09:21:00.000-03:00

Repasando los discos que cumplen 40 años: Genesis, con su álbum debut, y los húngaros de Omega.
...y también los que cumplen 20: Djam Karet, con su trabajo de 1989.
Un disco olvidado de reciente edición. De 1976 a hoy: Neuschwanstein, Alice in Wonderland.

¿No lo pudiste escuchar? bajalo

PROGRAMA Nº 41

2009-04-15T09:10:00.000-03:00

En esta oportunidad repasamos algunas de las ediciones de los últimos meses del sello Cuneiform: Isotope, Mats/Morgan, Universe Zero y Forgas Band Phenomena.
Recordando la música que se hacía hace 40 años, tendremos a Los Jaivas y Almendra.

Además, una (más) que sepamos todos.

PROGRAMA Nº 40

2009-04-08T18:50:00.000-03:00

Música en vivo!

DEEP PURPLE
SOFT MACHINE
PINK FLOYD!

Además, una que sepamos todos.

Bajalo

PROGRAMA Nº 39

2009-04-01T18:45:00.000-03:00

40 Años:
Frank Zappa y Modry Efekt.

Discos Nuevos:
Rational DIet, Yugen Play Leddi.

Y como siempre, una que sepamos todos.

Bajalo

PROGRAMA Nº 38

2009-03-25T12:10:00.000-03:00

40 años de Rock Progresivo Ingles: Parte 2

Con musica de Family, Rare Bird, Skin Alley, Man, Jody Grind, Arzachel y Audience

Bajalo

PROGRAMA Nº 37

2009-03-18T14:42:00.000-03:00

PRIMER PROGRAMA 2009; Inglaterra 1969Dedicamos el primer programa al año en el que estallo el rock progresivo en Inglaterra.
Con Música de King Crimson, East of Eden, Colosseum y Renaissance.

¿No lo pudiste escuchar? Bajalo

PROGRAMA Nº 25

2008-10-01T18:05:00.000-03:00

BAJALO

PROGRAMA Nº 24

2008-09-24T18:04:00.000-03:00

BAJALO

PROGRAMA Nº 23

2008-09-17T18:02:00.000-03:00

BAJALO

PROGRAMA Nº 22

2008-09-10T11:30:00.001-03:00

Kevin Ayers.

Un recorrido por los trabajos del músico inglés, con Soft Machine y su carrera solista.

Para el final, una por Kevin, pero que sabemos todos...

BAJALO

PROGRAMA Nº 21

2008-09-03T11:28:00.000-03:00

Progresivo en U.S.A. en los '70 - Parte 2.

Con Happy The Man, Northwind, Lift, The Muffins, Glass, Arabesque, Mirthrandir, Polyphony, Dixie Dregs, Pocket Orchestra.

Segundo programa del recorrido de parte del progresivo en U.S.A. de los '70s.

Para el final, una que sabemos todos...

PROGRAMA Nº 20

2008-08-27T11:10:00.002-03:00

Progresivo en U.S.A. en los '70 - Parte 1.

Con Yezda Urfa, Touch, Cathedral, Sigmund Snopek III, Lift, Pentwater, Ethos, Atlantic Philarmonic, Hands.

Un grupo de bandas para empezar a recorrer el progresivo en U.S.A. de los '70s.

Para el final, una que sabemos todos...

BAJALO

PROGRAMA Nº 19

2008-08-20T11:09:00.000-03:00

Progresivo en Dinamarca en los '70.

Con Culpeper's Orchard, Secret Oyster, Dr.Dopo Jam y Ache.

Para el final, una que sabemos todos...

¿No lo pudiste escuchar? bajalo

PROGRAMA Nº 18

2008-08-13T11:08:00.001-03:00

Progresivo en Andalucía en los '70.

Prog, flamenco, fusión... ¿Un primer programa?

Con Miguel Ríos, Alameda, Gualberto, Triana, Guadalquivir, Imán, Azahar, CAI, etc.etc.

Para el final, una andaluza que sabemos todos...

BAJALO

PROGRAMA Nº 17

2008-08-06T11:07:00.001-03:00

Progresivo en Italia.

Brevísimo recorrido por la obra de 4 bandas italianas de los '70.

Con Jumbo, Alusa Fallax, Fabio Celli e Gli Infermieri, y Cervello.

Para el final, una que sabemos todos...

BAJALO

PROGRAMA Nº 16

2008-07-30T11:06:00.000-03:00

Progresivo en Inglaterra.

Con condimentos folk, barroco, renacentista... Strawbs, Spirogyra, Fruupp y Gryphon.

Para el final, una que sabemos todos...

PROGRAMA Nº 15

2008-07-23T11:05:00.002-03:00

Psicodelia y Rock ProgresivoVenezolano en los 70s

Con Vytas Brenner, Alexis Rossell, Fernando Yvosky, Ladies WC, Grupo Pan, Spitieri, La Cuarta Calle, Estructura, Aditus, etc, etc...

...y para el final, una que sepamos todos...

BAJALO

PROGRAMA Nº 14

2008-07-16T11:04:00.002-03:00

Progresivo 2008

Algunos trabajos editados en el 2008, como los de Van Der Graaf Generator, Fish, DFA, Mahogany Frog, The Tangent, Kevin Ayers y The Mars Volta.

Y para el final, una que sabemos todos...

BAJALO

PROGRAMA Nº 13

2008-07-09T11:03:00.002-03:00

Progresivo en los '80.

Con King Crimson, Ozric Tentacles, The Legendary Pink Dots, Marillion, IQ, Pendragon, Banda Elástica, Nazca, 0.720 Aleación, Kultivator, Begnagrad, Thinking Plague, French TV, y etc.etc.

Columnistas invitados: Carlos Grabmuller y Pablo Buján.

Para el final, una que sabemos todos... y a bailar!.

BAJALO

PROGRAMA Nº 12

2008-07-02T10:55:00.001-03:00

Progresivo en Brasil.

Con Terreno Baldío, O Terço, Som Nosso De Cada Día, Veludo, Casa Das Máquinas, Som Imaginario, Recordando O Vale Das Maças, Moto Perpetuo, y etc.etc.

Para el final, una que sabemos todos... y que la hemos cantado.

BAJALO

PROGRAMA Nº 11

2008-06-25T11:02:00.001-03:00

Rock latinoamericano.
Hoy: Uruguay.

Con El Kinto, Los Shakers, Limonada, Zocalo, Opus Alfa, Días de Blues, Miguel y el Comité, Psiglo, Totem, Motevideo Blues, Genesis, Elegía, y los etc.de siempre.

Para el final, una que sepamos todos... con un toque diferente.

BAJALO

PROGRAMA Nº 10

2008-06-11T10:52:00.003-03:00

Nuevas obras de grupos argentinos:

Con Tanger, Fútbol, La Patrulla Espacial, Torax, Las Cosas, etc., etc., etc..

Entrevistamos a Felipe Surkan (Viajero Inmóvil), y miembros de La Patrulla Espacial y Fútbol.

Y para el final, una que sabemos todos...

Bajalo

PROGRAMA Nº 9

2008-06-04T13:00:00.000-03:00

El movimiento R.I.O. (Rock In Opposition):

Con Slapp Happy, Stormy Six, Samla Mammas Manna, Henry Cow, Aksak Maboul, Univers Zero, Etron Fou Leloublan, Art Zoyd y Art Bear.
Comentarista Invitado: Carlos Grabmuller

Y como siempre, una que seguro sabemos todos...

BAJATE EL PROGRAMA

PROGRAMA Nº 8

2008-06-01T18:51:00.000-03:00

ESPECIAL: PROGRESIVO HOLANDÉS DE LOS 70s:
Con Shocking Blue, Focus, Ekseption, Trace, Kayak, Finch, Supersister, Golden Earring, Earth and Fire, Banten, Woorden, Children of Jubal, etc, etc.
Con Rubén Arari, como comentarista invitado.

BAJATE EL PROGRAMA

PROGRAMA Nº 7

2008-05-21T20:23:00.000-03:00

ESPECIAL: PROGRESIVO JAPONÉS DE LOS 70s:

Con Flower Travellin' Band, Love Live Life +1, J.A. Cesar, Far East Family Band, Brain Police, Taj Mahal Travellers, Les Rallizes Dénudés, Lost Aaraaf, Cosmos Factory, Ain Soph, Yonin bayashi, etc, etc.

Con Norberto Cambiasso, como comentarista invitado.

Y como siempre, una que sepamos todos... con un toque diferente.

PROGRAMA Nº 6

2008-05-14T20:17:00.000-03:00

ESPECIAL KRAUTROCK:

La innovación alemana, de la mano de 4 bandas influyentes: Faust, Can, Kraftwerk y Neu!

Con columnistas invitados: Daniel Varela (Músico, Periodista), Carlos Grabmuller (Ex conductor del Sueño de Isildur), Gustavo Enriquez (Forista de La Lata - Ex conductor de Rock Tour y Divino Botón).

PROGRAMA Nº 5

2008-05-07T20:20:00.000-03:00

ESPECIAL CANTERBURY:

Lo viejo de nuevo: Hatfield & the North (Hatfield & the North, The Rotter's Club y Hatwise Choice, National Health (National Health y D.S. al Coda)

Lo nuevo de los viejos:Numero D'Vol (Hugh Hooper), Phil Miller's In Cahoots: Conspiracy Theories y Elton Dean & The Wrong Objet: The Unbelievable Truth (Moonjune Records)

Lo viejo pero nuevo: Soft Machine: Floating World Live (Moonjune Records)

Lo viejo hecho nuevo: Delta Saxophone Quartet: Dedicated to You... (Moonjune Records)

PROGRAMA Nº 4

2008-04-30T15:44:00.000-03:00

Argentina... hoy :

Un programa dedicado a grupos argentinos que han grabado en los últimos meses: Daddy Antogna y los de Helio, Hyacintus, Poseidótica, William Gray, Antihéroe, y los miembros de Honduras como invitados en el estudio.

PROGRAMA Nº 3

2008-04-23T13:22:00.000-03:00

ESPECIAL HAMMOND:

Un programa dedicado al popular órgano que tuvo su auge en los 60s y 70s. Escucharemos temas de varios de sus principales ejecutantes de diversas verientes musicales: jazz, fusion, psicodelia, hard rock y rock progresivo. Vayan como ejemplos: Larry Young, Jimmy Smith, The Animals, Procol Harum, The Nice, Atomic Rooster, Argent, Deep Purple, Caravan, Collegium Musicum, Hansson & Carlsson, El Reloj, Pescado Rabioso, Goblin, Iron Butterfy, etc, etc, etc.

PROGRAMA Nº 2

2008-04-16T19:02:00.000-03:00

* Von Zamla: La derivación de Samla Mammas Manna (y de Zamla Mammas Manna), representante sueco del movimiento R.I.O., debuta en los albores de los 80s con un excepcional trabajo llamado Zamlaranamma, ideal para intruducirse en estas vertientes del... ¿rock progresivo?

* Tony Wiiliams Lifetime: Hacia fines de los años 60s, algunos integrantes de agrupaciones de Miles Davis, como Tony Williams, John McLaughlin y Larry Young se adelantan a Bitches Brew, produciendo una música decididamente inmersa en la fusión jazz rock. Discos como Emergency!, Turn It Over y Ego se han cimentado como clásicos del estilo.

* Camel: Debutan en 1973 con "Camel" grabado a fines de 1972. En él ya se observan todos las características de la banda: delicadeza y fuerza, conjunción de lo acústico con lo eléctrico, largos pasajes instrumentales y sutiles espacios cantados, y sobre todo, la capacidad individual en función del grupo.

* Climax: Con que frecuencia surgen los prejuicios cuando se menciona a una banda boliviana de los años 70s. ¡Y que fácilmente son derrumbados cuando se escucha un trabajo como Gusano Mecánico!

PROGRAMA Nº 1

2008-04-07T08:28:00.000-03:00

Miércoles 9 de abril

* Shylock: La agrupación liderada por Frederic L’epée disfrutó de un relativo éxito en la Francia de los años 70s. Sin embargo la reedición digital de sus trabajos han convertido a la banda en casi un clásico de la escena progresiva gala.

* Miles Davis: luego de A Silent Way y Bitches Brew continúa y profundiza el concepto de fusión jazz rock. Varios trabajos de este periodo son poco conocidos entre el público de rock y frecuentemente rechazados por el del jazz. No obstante creemos que trabajos como Live Evil, On the Corner, A Tribute to Jack Johnson, Dark Magus o Big Fun merecen nuestra atención.

* Van Der Graaf Generator: en la explosión cultural que sucede alrededor del ’67, muchos de los que luego fueron “clásicos” nos presentaban sus primeros trabajos. Con esbozos de lo que luego sería esta gran banda, unos adolescentes británicos liderados por Peter Hammill, comenzaban su carrera con “Aerosol Grey Machine”, con un puñado de composiciones que ya nos mostraban todo su talento,

* Os Mutantes: Mucho se ha dicho y escrito sobre esta banda brasileña. Pero siempre se ha hecho hincapié en su periodo clásico, aquel de los discos psicodélicos con Rita Lee. Cuando Sergio Dias queda al mando la banda encara hacia el género progresivo con trabajos más que interesantes.

PRESENTACIÓN:

2008-01-01T09:00:00.000-02:00

No fue fácil tomar la decisión y encarar este proyecto luego de 4 años de “El Sueño de Isildur”. El fallecimiento de nuestro querido Claudio Retali, nos dejó a Pablo Mazzucconi y a mí, con respecto al programa, en una situación de incertidumbre que no hemos podido resolver. Tal vez haya en el futuro una reaparición de Isildur, tal vez no. Con el deseo de seguir adelante y convencido de que un proyecto de este tipo solo se puede encarar con personas con las que se comparte algo más que el placer de escuchar música, convoqué a Gustavo García con el fin de realizar un nuevo programa que sin intentar clonar a Isildur, tendrá seguramente una inevitable y bien aceptada impronta. Gracias al apoyo de Radio Universidad tenemos el gusto de presentarles: “Progresiva70s”.Probablemente a alguien este nombre le resulte familiar. Fue empleado en el pasado en un sitio web que creo, gano su lugar en la difusión del género progresivo en Internet. Creo que este programa también hará ostensible el espíritu con el que se construyó Progresiva70s.com.

Centipede

2007-12-03T13:07:00.000-03:00

Septober Energy (71)

Por Joe Rocker: Este álbum doble que muy acertadamente condujo el excelente tecladista y arreglista Keith Tippett; que como ya sabrán estuvo integrado a KING CRIMSON en 3 trabajos y que posteriormente fundó a OVARY LODGE, y que tambiénacompaño a: Hugh Hopper, Elton Dean, Joe Gallivan en el álbum "Mercy Dash",entre otras ondas mas. Pues bien gente progresiva y amantes de la escena Canterbury estas son mis impresiones de está monumental Obra "Septober Energy", la cual viene comprendida en 4 movimientos o partes:"S.E." es un álbum soberbio y pletórico de compases, estructuras musicales muy elaboradas y ritmos sincopados. Sus 4 movimientos se van estructurando por medio de ligeras improvisaciones y pasajes geométricos sónicos que se repiten dando oportunidad para que el oyente reciba una pieza identificable. Esta gran obra dicho en otras palabras abarca: Jazz Avantgarde demasiado Sinfónico, Free-Jazz, música explorativa de la Escuela "RIO", pero sin dejar por completo la melodía, armonía y ritmo vigoroso, mas un toque de Progressive-Rock (sobretodo cuando interviene el guitarrista), Canterbury Sound y unos coros tipo MAGMA pero cantados en ingles y no en kobaiano; aunado a todo esto de una atmósfera sonora muy densa o pesada en todo momento, que empieza a vivir y engrandecerse en aras de los sonidos "majestuosos" y tan "energetizados" que nos transmiten todos los músicos. También llegan a crear momentos tan altos y tan impresionantemente estéticos, que nos emocionamos como nunca creímos emocionarnos con Centipede. En lo particular pienso que todo el personal de Centipede tocaron bastante inspirados en este álbum trayendo una remembranza de los ingentes maestros jazzeros, canterburianos y grupos como: " Terumasa Hino, Sun-Ra, Bill Evans Trio y su trabajo "Symbiosis" con Orquesta conducida por Claus Ogerman, The New Jazz Trio y su work "Page One", Soft Machine y Art Bears, por decir algo. La portada del álbum es muy simple pues solo dice: Centipede "Septober Energy" todo esto en fondo blanco; en la contra-portada de igual fondo, aparece el Centipede personnel cuyos músicos son: ( Agarrénse ).

Violins: Wendy Treacher, John Trussler, Roddy Skeaping, Wilf Gibson. Rol Slater, Louise Jopling, Garth Morton, Channa Salonnson, Steve Wlandson, Mica Gomberti, Cilin Kitching, Phillip Saudex, Esther Burgi.
Cellos: Michael Hurwitz, Timothy Kramer, Suki Towb, John Rees-Jones, Therine Thulborn, Catherine Finnis.
Trumpets: Peter Parkes, Mick Collins, Ian Carr.
Pocket Cornet: Mongesi Fesa.
Cornet: Mark Charig.
Sax Altos: Elton Dean.
Doubling Saxcello: Jan Steel.
Doubling Flute: Ian Macdonald & Dudu Pukwana.
Tenor Sax: Larry Stabbins, Gary Windo, Brian Smith, Alan Skidmore.
Baritones Sax: Dave White.
Doubling Clarinet & Doubling Oboe: Karl Jenkins.
Bass Saxophone & Doubling Soprano: John Williams.
Trombones: Nick Evans, Dave Amis, Dave Perrottet, Paul Rutherford.
Drums: Robert Wyatt.
All Percussion: Tony Fennell.
Drums & Percussion: John Marshall.
Guitars: Brian Godding.
Bass: Brian Belshaw.
Vocalistis: Maggie Nichols, Julie Tippett, Mike Patto, Zoot Money & Boz.
Piano & Conducted: Keith Tippett.
Basses: Roy Babbington.
Doubling Bass Guitar: Jill Lyons, Harry Miller, Jeff Clyne & Dave Markee.
Poductor: Robert Fripp (quien no participa como músico en la Obra).

Resulta realmente impresionante -insisto- escuchar tocar a tan estupendos músicos juntos, lo mismo que oír a efectivos vocalistas y coros que le daban un realce extra en varias partes de los 4 movimientos de Septober Energy. Creo que está colosal obra no debe faltar en los estanteros de música prog y vertientes afines ya que solo escuchándose en forma completa o total se podrá asimilar y disfrutar este complejo álbum doble de Centipede que al parecer fue su debut y despedida.

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Caravan

2007-12-03T12:43:00.000-03:00

Caravan (69)

Por HL: Todos los miembros de la banda pertenecieron al grupo seminal del Canterbury, The Wilde Flowers, aunque en ningún momento coincidieron los cuatro. Caravan tiene entonces un origen similar, aunque se puede decir que representa el polo opuesto del movimiento. Desde los primeros compases de "Place of My Own" (que habla en realidad de la primera experiencia de Hastings en un departamento propio) se reconoce un estilo peculiar y muchas veces imitado, con envolventes melodías cantadas por Hastings con una voz que recuerda a la de Wyatt (no en vano reemplazó a Robert como cantante en TWF) y acompañadas por el clásico órgano de D. Sinclair. Estas características pusieron un sello que hace inconfundible el sonido de la banda. La base rítmica de la banda conformada por el baterista Coughlan y el bajista R. Sinclair todavía no desarrolla en este álbum todo su potencial. La voz de grave de Richard es un perfecto contraste con los tonos agudos de Hastings. "Cecil Rons" es en realidad Cathy Ross, quien sería esposa del cantante, debido a lo ilegible de su letra y la consiguiente confusión de su nombre en una carta surge este título basado en una broma entre los miembros de la banda. "Where but for Caravan Would I" es el primer tema compuesto por la banda, en este caso en colaboración con Brian Hooper (Hermano de Hugh y miembro de TWF). Aqui podemos escuchar los pasajes intrumentales que formarán parte del sonido del grupo en los futuros discos. Con respecto al sonido puede criticarse la excesiva separación en los canales de las voces e instrumentos. Lamentablemente este álbum no fue considerado en la reciente reedición con bonus tracks de las obras de la banda. A pesar del apoyo de John Peel, no les fue muy bien en las ventas. Imprescindible.

Integrantes:

Pye Hastings. guitarra, bajo, voz
David Sinclair: teclados, voz.
Richard Sinclair: bajo, guitarra, voz
Richard Coughlan: batería
Jimmy Hastings (invitado): flauta

If I Could Do It Again I'd Do It All Over You (70)

Por HL: Editado luego de una extensa gira británica y del primer paso por Europa. Para evitar malos entendidos el "over you" puede leerse "because of you". Si bien el primer álbum es de alto vuelo, este logra superarlo. La belleza de las melodías se mantiene pero el trabajo instrumental muestra una notable progresión. El trabajo de armonizaciónes de "Hello Hello", los solos de órgano de del hermoso "And I Wish I Were Stoned/Don't Worry", la radiante voz de Hastings, la instrumentación y los cambios rítmicos del extenso "For Richard" compuesto por David Sinclair y dedicado justamente a su primo Richard Sinclair, hacen de este disco uno de los grandes clásicos de la banda y una de las mejores (y más "británicas") obras del rock progresivo. Esta vez al pop se suma el jazz y algo de música clásica en lugar de las inclinaciones psicodélicas del primer álbum. Ahora si se puede apreciar el excelente trabajo de R. Sinclair de Coughlan. Es notable que a pesar de su mayor participación Jimmy Hastings continúa si ser miembro estable. Siguen las bromas: "Martinian" es un anagrama de los nombres de los empresarios con que firmaron contrato, "Only Cox" alude al productor del primer álbum y "Asforteri 25" está dirigido al 25% que se llevaba el manager Terry King. El CD ha sido recientemente reeditado con bonus tracks.

Integrantes:

Pye Hastings. guitarra, bajo, voz
David Sinclair: teclados, voz.
Richard Sinclair: bajo, guitarra, voz
Richard Coughlan: batería
Jimmy Hastings (invitado): flauta

In The Land Of Grey And Pink (71)

Por César Inca: Éste fue el disco por así decirlo “definitivo” para Caravan: llamó la atención de los críticos a mayor escala y amplió su número de seguidores, que en gran proporción lo tienen como su favorito. Siguiendo por la misma onda jazzera apoyada sobre una obvia sensibilidad melódica pop, y excursiones en jams instrumentales bien estructurados (especialmente para el lucimiento del órgano de Dave Sinclair y la inclusión de los solos de vientos), este disco ofrece la novedad de que el otro Sinclair (Richard) ocupa el rol de vocalista principal en casi todos los temas. Se nota, en todo caso, un ligero incremento en la energía desplegada en la ejecución de los dos primeros temas, ‘Golf Girl’ y ‘Winter Wine’. Pero el mayor atractivo, sin duda, está en la extensa suite de ocho secciones (dura más de 22 minutos y medio) ‘Nine Feet Underground’, en la cual Caravan aprovecha para explorar más profundamente su vena más sinfónica. Como siempre, el órgano de Dave Sinclair acapara el mayor protagonismo, dejando algo de espacio para un par de sutiles solos de Pye Hastings e intervenciones de los invitados, y partes cantadas por Richard. La sección rítmica está bien afiatada. Un disco bastante atractivo que justifica en gran medida su status de clásico del Canterbury.

Invitados:

Jimmy Hastings: flauta, saxo, piccolo.
Dave Greenstead: campanas y vientos.

Waterloo Lily (72)

Por César Inca: El cambio de tecladista implicó un cierto cambio en la dirección interpretativa de la banda. La personalidad de Miller estaba más orientada hacia el jazz clásico, lo cual le hacía inclinarse más al manejo de acordes y armonías en piano acústico y eléctrico, relegando el órgano a un segundo plano. La dosis de energía rockera habría, por tanto, de bajar algunos decibeles (aunque el tema inicial que da título al disco tiene bastante polenta en verdad); por otro lado, la vena sinfónica que había penetrado claramente en el disco anterior sigue haciéndose firmemente presente en las dos suites de éste, ‘Nothing At All / It´s Coming Soon / Nothing At All (Reprise)’ y ‘The Love In Your Eye...’, donde se incorporan diversos colores melódicos bastante sugerentes – mención especial a la hermosa cortina sonora de cuerdas en la segunda. Pye Hastings vuelve a cantar la primera voz en la mayoría de los temas, luciendo su sobria emotividad especialmente en ‘The Love In Your Eye’ y ‘Songs And Signs’. Se trata en líneas generales de un trabajo bastante parejo y elegante, pero a veces puede dar la impresión de que tanta atención a la delicadeza melódica ha llevado a Caravan a descuidar en buena parte su dimensión más energética, expuesta tan exitosamente en otros discos anteriores.

Personal:

Sale Dave Sinclair y es reemplazado por Steve Miller. Invitados:
Jimmy Hastings: flauta y saxo tenor. Lol Coxhill: saxo soprano.
Mike Cotton: trompeta.
Barry Robinson: oboe.
Phil Miller: solo ocasional de guitarra.

For Girls Who Grow Plump In The Night (73)

Por César Inca: La energía rockera extraviada en Waterloo Lily regresa en este disco con creces, ampliada, conservando a la vez tanto la vertiente jazzera melódica que siempre ha caracterizado a Caravan como su más reciente inquietud por explorar en estructuras sinfónicas. Las variadas potencialidades musicales que hay en todo esto se ven beneficiadas por una serie de hechos coincidentes: el regreso de un tecladista de personalidad tan fuerte como D. Sinclair decidido a incluir el sintetizador en su arsenal instrumental; la transformación del cuarteto en quinteto gracias a la incorporación oficial del talentoso músico Richardson, también dueño de una personalidad musical bastante notoria; el ingreso de un bajista de orientación más bluesera; y la participación de una miríada de músicos de apoyo. Los tres primeros temas - ‘Memory Lain, Hugh’, ‘Headloss’ y ‘ Hoedown’ -, así como ‘C’Thlu Thlu’ exhiben una ebullición sonora como nunca antes, mientras que ‘Surprise, Surprise’ y ‘The Dog, The Dog, He’s At It Again’ persisten en la línea melódica suave que es usualmente tan priorizada por Pye Hastings, con una orientación más tirada hacia lo acústico. Es en los dos últimos temas donde, en mi opinión, brillan los momentos más logrados de este disco. El primer tema es un medley dual compuesto por las secciones ‘Be All Right’ y ‘Chance Of A Lifetime’: la primera es una intensa y frontal muestra de R’n’B, mientras que la segunda vira hacia un latin jazz más tenue e intimista. El segundo, ‘L’Auberge Du Sanglier / A Hunting We Shall Go’, consta de cinco secciones bien armadas en una suite sinfónica llena de motivos melódicos bien inspirados y ambientes variados, ejecutados por la banda con bastante nervio y precisión, en una perfecta conjunción orquestal con sus colaboradores. Una joya enorme que cierra con broche de oro un disco imprescindible.

Participan:

Sale Miller y vuelve Dave Sinclair.
Sale Richard Sinclair y lo sustituye John G. Perry, (también teclados)
Entra Geoffrey Richardson en viola y guitarra.
Jimmy Hastings: flauta.
Michael Cotton, Peter King Tony Coe, Tommy Whistle, Harry Klein , John Beecham: vientos
Tom Ricotti: percusión
Paul Buckmaster: cello acústico y eléctrico.
Rupert Hine: sintetizador ARP.
Orquesta y Coros de Peter King.

Caravan And The New Symphonia (74)

Por Juvenal Aragón Figueroa: Un disco más en directo de esta gran banda. De hecho fue de los discos originales del setenta, el único “en vivo”que vio luz de manera oficial en Decca, el sello de registro de la banda. El proyecto de grabar un disco en directo con una orquesta, tuvo verificación en teatro real “Drury Lane”. El material ejecutado se basó en el repertorio antiguo clásico de la banda. La reedición digital del disco contiene en su totalidad el concierto. La primera edición en los setenta solo contó con ciertos temas. El concierto grabado el 28 de Octubre de 1973 con “New Symphonia” permite apreciar la banda engalanada por un sonido sinfónico pleno. A lo anterior se agregó un gran coro encabezado por Liza Strike entre otras vocalistas espectaculares. Los temas sobresalientes los tenemos en “The Love In Your Eye”, “For Richard”, “Memory Lane-Headloss”. Caravan se conformó es anoche con Sinclair, Hastings, Perry, Coughlan y Richardson. La combinación orquesta-grupo, da una nueva dimensión a la música. Aun y cuando los miembros del grupo develan que este registro tuvo muchos problemas de carácter técnico, con la orquesta y otros asuntos. La obra sin ser el mejor disco en vivo de Caravan, si denota un cambio benéfico en el sonido y es obligatorio para los fans de la banda. Para aquellos que desconocen el sonido de Caravan les sugerimos mejor sus discos en estudio o el grabado para la BBC Radio 1.

Cunning Stunts (75)

Por Roberto Serrano: En el verano de 1974 el bajista John G. Perry deja la banda. Su reemplazo fue Mike Wedgwood bajista de Curved Air. Junto con este cambio el grupo cambia de administración. El contrato con Terry King había expirado y contratan con Miles Copeland (Wishbone Ash) con el objeto de que les ayudara a penetrar el mercado de EUA. La banda empieza a grabar su nuevo disco Toys in the Attic. Sin embargo, justo antes de su lanzamiento, tienen que cambiar el nombre porque Aerosmith un grupo de rock de los EUA, lanzó un disco con ese nombre. El disco es titulado Cunning Stunts que es con el que finalmente aparecen en las listas de popularidad en el Reino Unido, llegando hasta el número 50. La banda tuvo algunos problemas porque en Bélgica lo conocieron erróneamente como Stunning Cunts. La banda logra conseguir presentaciones en los EUA en donde se hace merecedora de cierta popularidad. El tema central del disco es The Dabsong Conshirtoe, que es una suite de 18 minutos formada por seis piezas unidas entre sí pero con diferente dinámica. La suite inicia con una melodía sencilla tocada por la guitarra acústica, moog, bajo y la voz. La sección rítmica está formada por líneas de batería y bajo, bien cimentadas en ritmos de rock. A través de la pieza se van uniendo los diferentes integrantes, destacando los diferentes timbres que aportan los sonidos de la viola, la flauta, los instrumentos de viento y la variedad de teclados. La inclusión de instrumentos tradicionales acústicos y su interacción con los instrumentos electrónicos enriquecen esta suite. La última pieza de la suite es una estupenda pieza de rock progresivo sinfónico, caracterizada por su sencillez y un sentido melódico. No encontre pasajes jazzeros dentro de esta suite. El último tema me llamó la atención la referencia de "massed violas" (violas en masa) que reproduce lo que en principio fue la razón de ser del melotrón: reproducir los sonidos de los instrumentos tradicionales a través de medios electrónicos. The show of our lives, es una pieza sinfónica en donde destaca la voz. El resto de las piezas, incluyendo The Lover de 9 minutos, están orientadas a un estilo más comercial.

Integrantes:

Richard Sinclair: Bateria y percusión
Pye Hastings: Guitarra eléctrica y acústica, y voces
Geoff Richardson: Viola, guitarra eléctrica y acústica y flauta
Dave Sinclair: Piano acústico, mini-moog, organo, Freeman String
Symphonizer, Piano Fender y el Audio Electric Organ.
Mike Wedgwood: Bajo (con y sin trastes) congas y voces

Piezas:

The show of our lives (Sinclair, Murphy) 5:42
Stuck in a hole (Hastings) 3:09
Lover (Wedgwood) 9:39
No backstage pass (Hastings)
Welcome the day (Wedgwood) 3:59
The fear and loathing in Tollington Park Rag (Richardson) 1:07
The Dabsong Conshirtoe (Sinclair, Murphy)
Part 1 The Mad Dabsong 2:12
Part 2 Ben Karrat rides again 2:42
Part 3 Pro's and con's 2:29
Part 4 Wraiks and ladders 0:58
Part 5 Sneaking out the bare quare 4:25
Part 6 All sorts of unmentionable things 5:12

BBC Radio 1 Live In Concert (75)

Por Juvenal Aragón Figueroa: Con la llegada de Mike Wedggwood en lugar John Perry ene l bajo de Caravan, se produjo la salida del disco “Cunning Stunts” en Julio de 1974. La reformada agrupación giró por Inglaterra alineando con Richard Coughlan - Batería, Geoff Richardson - violín y Guitarras, Pye Hastings - Guitarra y Voz. Completando David Sinclair en los teclados el quinteto. Este evento fue registrado por la BBC en el Teatro París de Londres. El material incluye viejas favoritas del conjunto como la perenne representante del sonido Caravan en vivo “For Richard”, que se enriqueció del fino sonido del violín, la siempre espectacular “The Love in Your Eye, La tradicional “Hoe Down” y del reciente disco, la entonces nueva epopeya musical “The Dab Song Concerto” de “Cunning Stunts”. Todos los temas son ejecutados con singular maestría y gozan de un sonido pulcro en cuanto a la fidelidad del registro. Las variantes en las piezas antiguas toman un nuevo aire con la adición del violín o en su momento del soporte de dos guitarras que pugnan por espacio con las líneas tradicionales que constituyen la estructura de la pieza a cargo de Sinclair. Hay mucho material de Caravan en vivo, sobre todo de esta época. El “problema”, por llamarle de alguna manera, es que este es uno de carácter indispensable y requiere ser escuchado por los aficionados del a banda que aun se pretendan impresionarse. Cabe agregar solamente, que esa noche Caravan estuvo inspirado.

Blind Dog At St.Dunstans (76)

Better By Far (77)

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Bill Bruford

2007-12-03T12:32:00.000-03:00

Feels Good To Me (77)

Por Roberto Serrano: Después de una envidiable trayectoria en los principales grupos de rock progresivo, en todos ellos actuando bajo la dirección de un líder, Bill decide que es su turno de actuar como director musical. Forma Bruford con la idea de grabar sus canciones. Sorpresivamente en lugar de escuchar piezas orientadas a acompañar la bateria, Bill compone las partes para cada instrumento y frecuentemente pensando en las capacidades y habilidades de sus músicos. En un primer intento, invita a John Wetton y a Rick Wakeman y les muestra Belzeebub y Back to the Beginning, con las que inician los ensayos. Sin embargo, la disquera de Wakeman no le autoriza este proyecto y esta primera formación se disuelve. Bill persiste en su empresa, invitando a Dave Stewart, que en ese entonces es miembro de Nacional Health. Dave acepta y no solo participa sino que además le ayuda a componer dos de las piezas. Invita a Allan Holdsworth en la guitarra y para completar el grupo se adiciona a un gran bajista, Jeff Berlin que es esencial en este disco. Con esta banda de músicos talentosos, Bill se concentra en componer las piezas y en el difícil trabajo de comunicar sus ideas a los demás. Este primer intento de componer resulta en un trabajo lleno de actuaciones ejemplares de todos ellos, sin embargo, no todas las piezas funcionan y es precisamente ese el problema con el disco. Por un lado tenemos las piezas más sólidas, en donde todo funciona con piezas ejemplares y estupendas interpretaciones, y por el otro, se encuentran piezas que no suenan muy inspiradas (Seems Part One, Feels y Either). El material todo esta compuesto, hasta las secciones de los solistas, no dejando mucho espacio para amplias improvisaciones. Belzeebub, que es una de las principales piezas del disco, tiene al grupo tocando melodías al unísono, demostrando el alto grado de los músicos. Este tipo de interacciones se repite. Las secciones más progresivas las encontramos con Dave Stewart en sus teclados principalmente en el moog, acompañado de la exquisita interacción entre Bill y Jeff. Las secciones de Allan todas están compuestas, y limitan sus eclécticas intervenciones. Además de la batería escuchamos a Bill en el xilófono. La intervención de Annette Peacock no es muy notable. Me da la impresión de que sus intervenciones ocupaban una mayor maduración con el resto del grupo para lograr una participación mas integrada. El disco fue grabado en agosto de 1977 en Londres.

Integrantes:

Bill Bruford: Percusiones (xilófono y vibes), bateria, canciones y decisión final.
Dave Stewart: Teclados y objeto armónico razonablemente avanzado
Allan Holdsworth: Guitarra
Annette Peacock: Voz
Jeff Berlin: Bajo

Además apoyaron:

Kenny Wheeler Flugelhorn
John Goodsall Guitarra eléctrica

Nombre de las piezas:

Beelzebub (Bill Bruford) 3:16
Back to the beginning (Bill Bruford) 7:09
Seems like a lifetime ago Part One (Bill Bruford) 2:30
Seems like a lifetime ago Part Two (Bill Bruford) 4:25
Sample and hold (Bill Bruford Dave Stewart) 5:19
Feels good to me (Bill Bruford) 3:49
Either end of August (Bill Bruford) 5:27
If you can't stand the heath… (Bill Bruford Dave Stewart) 3:20
Springtime in Siberia (Bill Bruford Dave Stewart) 2:43
Adios a la Pasada (Goodbye to the past) (Bill Bruford Annette Peacock) 7:56

One of a Kind (79)

Por Roberto Serrano: Después de grabar Feels Good To Me, los integrantes de la primera banda regresan a diferentes proyectos. Dave Stewart regresa a National Health, mientras Bill forma UK junto con John Wetton. Las historias que Bill cuenta sobre su estancia en UK no son muy agradables, afortunadamente estas situaciones no se reflejan mucho en la música del excelente UK. Después de dejar UK, en 1979 Bill continúa con su grupo solista. Lo acompaña Allan en la guitarra y Jeff Berlin nuevamente en el bajo. La novedad fue la inclusión de Dave Stewart que ya estaba libre de su compromiso con National Health. La música presentada en este disco es más de un grupo integrado. Las piezas se escuchan más sólidas, dando mas espacio a los integrantes para desarrollar sus piezas. Las piezas son ahora instrumentales, eliminando las intervenciones que en el primer disco tuvo Annette Peacock, que en esto disco ya no participa. En todas las piezas del disco se escucha la estupenda interacción entre Bill y Jeff. Nuevamente escuchamos a Bill participando con arreglos para el xilofono. Hell's Bells la pieza que abre el disco es como una obertura, tal y como Beelzebub lo fue para el disco anterior. En esta primer canción el centro de atención son los teclados de Stewart. Una diferencia que note fue la participación de Allan, pues ahora participa también con riffs además de sus eclécticos solos, los cuales son incluidos de manera moderada. No hay extensas secciones con solo interminables. Dave Stewart participa con sus exquisitas intervenciones en los teclados, que incluyen además de instrumentos eléctricos, un piano acústico. En el área de la composición, se incluye la participación de todos, incluyendo inclusive una pieza de Stewart y Gowen de la gran National Health y una pieza compuesta junto con Eddie Jonson, fortaleciendo el área de la composición que en algunas piezas fue problemática en el primer disco. La pieza 'The Sahara of Snow' era en sus inicios una parte importante dentro del repertorio en vivo de UK, y su intro era justamente el pasaje que luego serviría como intro para 'Carrying No Cross'. En lo musical, el disco esta lleno de cambios de tiempo y de cosas interesantes que suceden entre los músicos. Un excelente disco digno de ser parte de cualquier colección.

El grupo es:

Jeff Berlin: Bajo y voces
Bill Bruford: Bateria
Allan Holdsworth: Guitarra
Dave Stewart: Teclados

Las piezas son:

Hell's Bells (Stewart Gowen) 3:33
One of a Kind Part One (Bruford) 2:20
One of a Kind Part Two (Bruford Stewart) 4:04
Travels With Myself - And Someone Else (Bruford) 6:13
Fainting Coils (Bruford) 6:33
Five G (Berlin Stewart Bruford) 4:46
The Abingdon Chasp (Holdsworth) 4:54
Forever Until Sunday (Bruford) 5:51
The Sahara of Snow - Part One (Bruford) 5:18
The Sahara of Snow - Part Two (Bruford Jobson) 3:2

The Bruford Tapes (79)

Por Roberto Serrano: Después de grabar el estupendo One of a Kind, la banda emprendió una gira durante el verano de 1979 por Europa. Al concluir esa gira, Allan decide dejar el grupo, para continuar su carrera haciendo música más libre, fuera de las restricciones que requiere un grupo. En su lugar entra un alumno de Allan, llamado John Clark. El estilo de John está lejos de los acordes imposibles y las escalas poco usuales que acostumbra Allan. Con la nueva alineación, la banda emprende una extensa gira en los Estados Unidos para promover sus dos discos. Bruford Tapes consiste en unas cuantas piezas de uno de sus conciertos para transmisión en la radio (WLIR 92.7). Esta presentación fue grabada en Roslyn Nueva Cork el 12 de julio de 1979. Acorde con el estilo de Bill, la presentación de estas piezas es fiel a sus versiones en estudio. Es bien conocida la actitud anti-solo de Bruford, así es que estas versiones no incluyen secciones en donde los músicos improvisen y se desplayen. Es un regocijo escuchar a estos músicos tocando en vivo. Las secciones en guitarra en principio mantienen las melodías, aunque los solos se escuchan más orgánicos, en lugar del estilo ecléctico de Allan. He tenido curiosidad por escuchar los teclados eléctricos de Dave, que en esa época se distinguían por su inestabilidad, sin embargo en esta grabación parece que pudo dominar a las bestias. Solo el sonido del moog se escucha a un volumen superior a los demás teclados. Muy buen documento de las presentaciones de esas fechas. Ahora las malas noticias. Esta grabación fue hecha para radio, así es que el sonido no es de lo mejor. Hay muchos problemas de calidad y balance en el sonido. Los finales de Travels y 5g son cortadas indiscriminadamente. Sí pueden aguantar los problemas de sonido y el atrevimiento del corte de las piezas, van a encontrar fascinante este documento. Como apreciación no musical, tenemos que el diseño de la portada tiene aire "punk", pues incluyeron una fotografía de mala calidad a dos colores, el título del disco se hizo a mano con una plantilla (y la advertencia "parental guidance suggested") y los créditos fueron redactados con el tipo de una maquina de escribir muy antigua. Me llamo la atención el estilo de la portada, que Bill cuidó en sus otras tres producciones.

Alineación:

Bill Bruford – Bateria, percusión y plática eléctrica
Dave Stewart – Teclados eléctricos
Jeff Berlin – Bajo eléctrico
John Clark "el desconocido" – Guitarra eléctrica

Nombre de las piezas (tal y como se anotaron en el disco):

Hells Bells 4.02
Simple And Hold 6.18
Fainting In Coils 6.34
Travels With Myself – And Someone Else 4.37
Beelzebub 3.28
The Sahara Of Snow (Part One) 4.46
The Sahara Of Snow (Part Two) 3.07
One Of A Kind (Part Two) 8.06
5g 2.39

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The Battered Ornaments

2007-12-03T12:29:00.000-03:00

Mantle-Piece (69)

Por Joe Rocker: Este fue el segundo trabajo del grupo inglés TBO pero ya sin la participación de quien fuera su líder en su primer disco... el letrista, vocalista y percusionista Pete Brown. Aunque cabe mencionar que la mayoría de los temas fueron escritos por Brown & Spedding y que al parecer Pete llegó a un acuerdo con el grupo para que los pudieran interpretar sin ningún problema. Yo considero que este trabajo está inmerso en el Art-Rock de buena factura y que al desarrollarlo dejaban constancia de su calidad, profesionalismo y buena capacidad musical a finales de los 60, sin embargo varios de los temas abarcan el preciosista Sonido Canterbury debido a la forma de tocar del saxofonista/flautista Nisar Ahmad Khan y sobre todo del legendario guitarrista y vocalista Chris Spedding el cual tuvo varias participaciones en Bandas netamente de la escena Canterbury y por eso la vía e influencias canterburianas están presentes en el disco. Tengo que hacer notar que en el sonido del grupo también llegan a percibirse tenues matices de estilos como Rhythm & Blues y algunas atmósferas psicodélicas dosificadas. Este disco puede ser disfrutable para quienes se complacen con la música de Traffic, Colosseum, Caravan (inicios) Pete Brown & Piblokto, y también para quien se identifique con The Sensational Alex Harvey Band en sus momentos más finos y serenos. El guitarrista Spedding a falta de un tecladista de base tiene que hacer ligeras funciones de tecladista y demuestra que tiene mesura y delicadeza en algunos pasajes tanto al piano como en las armonías del órgano de fondo. Traen a un percusionista de nombre Pete Bailey que suple a PB y le imprime un sustancial ritmo a varias de las piezas pero sin dejar de tocar con hechura y medida.En cuanto al canto ellos se repartían las vocalizaciones figurando la de Spedding y Nisar Ahmad, aunque los demás integrantes también apoyaban con coros y alguna que otra armonía vocal. Los temas de mayor empaque son: "Late into the night" cuya vibra es orientada a la esencia Canterbury y donde el sax suena algo sensual pero se explaya eficazmente trayendo remembranzas de gente como Didier Malherbe, Chris Wood y Dick Heckstall-Smith; todos se oyen muy acoplados para terminar la pieza con un sabroso solo de conga-drum apoyado tibiamente por la batería. Otra pieza atractiva resulta "Staggered" en la cual se percibe una fusión del Canterbury con la música Psych dando notoriedad a guitarras acústicas, y unos rasgueos de mandolina, órgano under... llevando el sax la batuta a ratos y la flauta aparece brevemente, el bajeo se siente en la vena de Hugh Hoopper en sus momentos más cadenciosos; se escuchan cánticos como si provinieran de una comuna hippie que luego cambian a voces y gritos como de una tribu seminola en plena celebración. Otro momento cumbre es en la rola "Smoke Rings" donde el sonido Canterbury llega a escucharse algo frenético pues todos tocan muy embalados sin dar punto de reposo a su música. Spedding sacando sonidos extraños a su guitarra (onda cuasi-Hendrix), la flauta oyéndose muy jazzy, y la batería y percusiones tocadas con celeridad y determinación..., todo esto llega a propiciar altos momentos sónicos. El tema místico y oscuro viene a hacer "The week looked good on paper" la cual es profunda e intimista. En la onda Traffic tenemos los temas "Then I must go" que es magnifica abarcando el Art-Rock con toda entereza, resaltando las diversas guitarras que mete CS. La otra sería "The crosswords and the safety pins" también muy en la vía Traffic -pero- la voz se siente algo así como el cruce vocal entre Leonard Cohen y Alexander Harvey; aquí el lucimiento con los reeds de parte de Nisar Ahmad es de antología y el ritmo y cadencia de los demás instrumentos es fundamental. El tema Bluesy con Art-Rock del disco es "Sunshades" la cual es muy vibrada y sutil dando paso a cierta relajación mental, aquí otra vez CS le saca algunos efectos raros a su guitarra y hasta se anima a decir casi al final: Jimi Hendrix is see now. No me cabe la menor duda que la influencia de Pete Brown es manifiesta todavía en The Battered Ornaments, más sin embargo tanto CS como George Khan hicieron lo posible por zafarse de ese contagioso estilo de su ex-cantante y letrista..., y clavarse más hacia el Canterbury Sound y el Art Rock de comienzos de los 70s. "Mantle-Piece" considero yo, es un trabajo que puede llegar a gustar después de la segunda escucha ya que tiene sus detalles sonoros semi-escondidos y la vibra o buena onda musical del grupo afloran poco a poco en las siguientes escuchas. Por último menciono que el disco apareció originalmente en el sello Harvest y en 1994 fue reeditado por la etiqueta Repertoire Records, agregándole 2 tracks más.

The Battered Ornaments:

Chris Spedding.- Guitars, vocals, keyboards.
Roger Potter.- Bass, voc.
George Khan -aka- Nisar Ahmad Khan.- Reeds, flute, harmony vocals.
Rob Tait.- Drums, back-up vocals.
Pete Bailey.- Conga-drums, percussion, back-up vocals.

Temas:

01.- Sunshades.
02.- Late into the night
03.- Then I must go.
04.- The crosswords and the safety pins.
05.- Staggered.
06.- Twisted track.
07.- Smoke Rings.
08.- Take me now.
09.- My love's gone far away.
Bonus Tracks:
10.- The week looked good on paper.
11.- Living life backwards.

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Kevin Ayers

2007-12-03T12:18:00.000-03:00

Joy of a Toy (70)

Por HL:Ayers nació en el condado de Kent, aunque paso su adolescencia en Malasia. De retorno a su tierra se aloja en la célebre casona de los Wyatt. Es allí donde se deja convencer apenas iniciada la segunda mitad de los 60s de conformar un agrupación cuyo nombre sería The Wilde Flowers. De esta agrupación surgiría la primera formación de Soft Machine con Robert Wyatt en batería, Mike Ratledge en teclados, Daevid Allen en guitarra y Kevin en bajo. Ya sin Daevid emprenden una gira por EEUU como soporte de The Jimi Hendrix Experience. El agotamiento de los shows y diferencias musicales que se centraban en la inclinación pop de Kevin y el vuelco hacia la fusión que iban adquiriendo sus compañeros, motivan el alejamiento de Ayers antes de terminar la gira. Quedan como testimonio de su participación un par de videos para la TV holandesa, el primer álbum de los softs, un simple, la recopilación de demos Jet Propelled y unos cuantos bootlegs. En su primer álbum solista pueden observarse los rasgos de lo que significaba su trascendente aporte a un Soft Machine de ideas psicodélicas y una clara idea de lo que sería su trabajo solista a lo largo de los 70s. Cada canción se trata de una pequeña y traviesa genialidad. Las encantadoras melodías ideadas por Ayers son ornamentadas con una preciosidad superlativa por sus compañeros de aventura: entre otros, David Bedford, alguien que sería de enorme importancia en su carrera , quien se encarga de teclados y arreglos anticipando en temas como en agraciadísimo "Town Feeling", mucho de lo que vendría en futuras producciones. También están los mismos softs en su nueva formación (Wyatt, Ratledge, Hooper), cuya participación hace que por ejemplo en el circense “Joy Of A Toy Continued” o en el bodevilesco “Clarietta Rag” parezca una continuación de los tempranos temas de la banda. Incluso de una maravilla como “Song For Insane Times” pudría decirse que es un perfecto nexo entre la música de Soft Machine y la del próximo proyecto de Kevin, The Whole World. Realmente uno puede deshacerse en elogios ante todos y cada uno de los excelentes temas, pero para evitar redundancias solo expresare mi admiración por la capacidad de Ayers de derramar tanta hermosura desde la majestuosidad de ese clásico que es “Lady Rachel” o desde la candidez de “Girl On A Swing” . En cada una de estas canciones Ayers logra conmover con su voz trasnochada y sutilmente expresiva. Grabado en Londres en 1969 en los Abbey Road Studios. Edición original por Harvest Records, 1969. Reedición en CD por BGO, La reedición en CD del 2003 trae bonus con participaciones de Syd Barreto, Mike Oldfield y Richard Sinclair y versiones alternativas de algunos temas.

Temas:

1. Joy Of A Toy Continued (2:54)
2. Town Feeling (4:51)
3. Clarietta Rag (3:20)
4. Girl On A Swing (2:51)
5. Song For Insane Times (4:01)
6. Stop This Train (Again Doing It) (6:05)
7. Eleanor's Cake (Which Ate Her) (2:35)
8. Lady Rachel (5:18)
9. Oleh Oleh Bandu Bandong
10. All This Crazy Gift Of Time (3:45)

Participantes:

Kevin Ayers: voz, guitarra, bajo, piano
David Bedford: teclados, arreglos
Robert Wyatt : batería
Mike Ratledge: teclados
Hugh Hopper: bajo
Rob Tait: batería
Jeff Clyne: contrabajo
Paul Minns: oboe
Paul Buckmaster: cello
Peter Jenner: productor
Cyrille Ayers, Sean Murphy, Jean-Pierre Weiller, Jean & Mary: coros

Shooting at the Moon (71)

Por HL:Luego del excelente debut con Joy of a Toy, Ayers determina que necesita de una banda para lograr continuidad. Se trata de un periodo de enorme importancia en su carrera, y sin embargo con esta agrupación llamada Whole World alcanza a registrar únicamente este álbum. David Bedford que ya había participado en el anterior disco e convierte en un idóneo compañero de ruta. Junto a ellos contrasta la veteranía del estupendo saxofonista Lol Coxhill y un joven y barbado bajista y guitarrista llamado Mike Oldfield. Los bateristas cambian constantemente, incluso pasa por las filas de la banda Robert Wyatt, pero es Mick Fincher quien trabajará en las sesiones de grabación. El primer tema es el casi célebre y discretamente elegante “May I?” que tiempo después fuera registrado en un actuación televisiva en el Old Grey Whistle Test junto a David Bedford, Lol Coxhill, Mike Oldfield, Dave Dufort y Johnny van Derek. “Rheinhardt & Geraldine / Colores Para Dolores” es una canción de aquellas en que Ayers sabe dosificar el dramatismo y en la que se intercala un hasta este momento inusitado collage electrónico, un tema que contrasta con el tanteo puramente roquero de “Lunatic Lament”. Los jugueteos de estudio de intencionalidad avant garde continúan en realidad en “Pisser Dans Un Violon”. Ayers parece buscar un choque entre los sucesivos temas al poder apreciarse la graciosa y contagiosa simplicidad de la balada llamada “Oyster & The Flying Fish”, otro clásico. Ya no debería sorprender que “Underwater” sea otro espacio de exploración sonora, no demasiado feliz, a decir verdad y que “Clarence In Wonderland” sea otra canción a la vez amable y bufona. “Red Green And You Blue” repite la fórmula de “May I?” y de tantas otras agradables tonadas de Ayers. Tal como hiciera con su anterior trabajo, Kevin recuerda los tiempos de Sott Machine. Si antes lo hizo solo poniéndole como titulo a un álbum “Joy of a Toy”, nombre de un instrumental de la banda ahora realiza una fabulosa versión de “Jet Propelled Photograph”, un tema de la época de Soft Machine cuarteto llamada “Shooting at the Moon” que presta nombre al álbum. Un disco no tan compacto y excelente como el anterior, y que en realidad presenta algunos altibajos, pero que sigue siendo un muy recomendable trabajo de Kevin Ayers. Grabado en 1970 en los Abbey Road Studios de Londres. Editado el mismo año por Harvest. Reedición en Cd por BGO en el 93. Hay una reedición en CD de Harvest del 2003 con “Gemini Child”, una hermosa versión en francés llamada, claro, “Puis Je?” y otros temas entre los que se encuentra un inédito llamado “Hat”. Algunos de estos temas (no todos) aparecen en “Odd Ditties"

Temas:

1. May I? (4:01)
2. Rheinhardt & Geraldine/Colores Para Delores (5:40)
3. Lunatics Lament (4:53)
4. Pisser Dans un Violon (8:02)
5. Oyster and the Flying Fish (2:37)
6. Underwater (3:54)
7. Clarence in Wonderland (2:06)
8. Red Green and You Blue (3:52)
9. Shooting the Moon (5:53)
Bonus Tracks:
10. Gemini Child (3:16)
11. Puis Je? (3:41)
12. Butterfly Dance (3:45)
13. Jolie Madame (2:26)
14. Hat (5:27)

Participantes:

Kevin Ayers: voz, guitarra, bajo
David Bedford: teclados, arreglos
Lol Coxhill : saxo, zoblophone
Mike Oldfield: bajo, guitarra
Mick Fincher: batería
Bridget St. John, Robert Wyatt, Girly Chorus, The Ladybirds: coros

Whatevershebringswesing (72)

Por HL: Tercera producción solista de Ayers. Ya desbandada The Whole World y mientras se unía brevemente a su ex compañero de Soft Machine Daevid Allen en Gong. Continúan Bedford y Oldfield aunque ya no está Mick Fincher en batería ni Lol Coxhill en el saxo (reemplazado por Didier Malherbe de Gong). Un álbum heterogéneo, desde un excelente comienzo instrumental de la mano de David Bedford en "There is Loving, hasta una magnifica melodía cantada a dúo con Wyatt en el tema que da nombre al álbum, pasando por blues, folk y música de bodeville. Omnipresente la voz de resaca de quien fuera cantante de The Wilde Flowers. Este álbum forma parte de los imprescindibles de la discografía de Ayers.

Participantes:

Kevin Ayers: voz, bajo y guitarra.
David Bedford: teclados
Mike Oldfield : bajo y guitarra.
Dave Dufort, William Murray, Tony Carr: batería
Robert Wyatt: voz
Didier Malherbe: saxo
Gerry Fields, Johnny, Van Derek: violín

Singing The Bruise (72)

Por HL: Excelente álbum en vivo en la BBC que nos muestra diferentes facetas de los primeros años de carrera solista de Ayers luego de su alejamiento de Soft Machine. Los dos primeros registros fueron grabados el 10 de febrero de 1972. El tema con que abre el disco es el clásico de los Soft "Why are We Sleeping?" La formación con la que se hizo el registro es para el delirio de los fans de Soft Machine: Ayers en bajo, guitarra y voz, Mike Ratledge y David Bedford en teclados, Hugh Hooper en bajo, Elton Dean y Lol Coxhill en saxo, Nick Evans en trombón Lyn Dobson en flauta y Robert Wyatt en batería y coros. Está todo dicho. La segunda parte grabada en el Alan Black Show el 20 de mayo y en el Top Gear el 9 de junio consta de 5 temas con la formación de Whole World: David Bedford en teclados, Lol Coxhill en saxo, Mick Fincher en batería y el joven Mike Oldfield en bajo . Maravillosas versiones de "Lady Rachel" y "Oyster and The Flying Fish". Tocan otro clásico de los Soft: "We did it Again". Los dos últimos temas registrados en 1972 están ejecutados por Ayers en guitarra y voz y Archie Legget en bajo y voz. Se incluye la breve "Queen Thing", una broma a la Corona basada en el clásico "Wild Thing".

Bananamour (73)

Por HL: Los álbumes de Ayers conservan aún su enorme calidad. Estilísticamente diferenciado del resto de los músicos del Canterbury (categorización rechazada por varios de sus mejores exponentes), se encuentra ligado a estos por antecedentes, espíritu musical y frecuentes colaboraciones. Tal vez los 70s están demasiado avanzados para continuar con sus apuestas sicodélicas y Ayers parece querer retornar al rythm and blues, pero el lastre de sus experiencias musicales previas han dejado una huella indeleble por lo que aparecen permanentes referencias. Como si esto fuera poco aquí están para Wyatt y Ratledge para recordarle el pasado aunque la participación de estos monstruos en el álbum sea escasa. También esta Steve Hillage que deja evidentes huellas de su presencia al igual que Robert Bedford con sus magníficos arreglos de orquesta. Ayers con su voz melancólica, aguardentosa a veces acompaña en forma casi constante las hermosas y cuidadas melodías del disco. hay que escucharlo. Luego de grabar el álbum Ayers emprende una gira británica con Archie Legget presentando el show 'Banana Follies'.

Participantes:

Kevin Ayers : voz, guitarra
A. Legget: bajo
Eddie Sparrow: batería
R Wyatt: coros
Steve Hillage, guitarra
M: Ratledge: teclados
David Bedford: arreglos
Tristan Fry: cimbalo
Invitados varios

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Arzachel

2007-12-03T12:15:00.000-03:00

Arzachel (69)

Por César Inca: Formado a partir de la reunión de los secuaces de Uriel (una de las bandas pioneras de lo que después sería denominado como el movimiento Canterbury), y cuando ya se estaba gestando el trío Egg, Hillage volvió a participar del combo instrumental junto a sus tres ex-compañeros y en cuestión de un solo día de sesiones grabaron su único disco, esta vez con un nombre diferente, Arzachel, a fin de evitar problemas legales con un sello para el que habían firmado un contrato anteriormente en los días de Uriel. Lo que hay en este disco es una mezcla explosiva, entusiasta y fogosa de psicodelia ácida y vanguardia de orientación jazzera. No esperemos aquí muchas semejanzas con la onda marcadamente jazzera con sutiles toques barrocos que Egg llevo a la perfección (aunque algo de eso hay también). El sonido de Arzachel es más bien cercano a la línea más cósmica de Khan (otra banda de breve trayectoria donde toco el maestro Hillage), aunque con la comparacion Arzachel muestra una dosis mayor de contagiante fuerza y alucinada aspereza. Hay mucha influencia del Pink Floyd arcaico, las prototípicas excursiones psicodélicas de Hendrix, y esa sensación de libertad expresiva propia de los jams de blues eléctrico y el hard rock primario. Es increíble cómo unos músicos tan jóvenes y aun inexpertos en el negocio como Hillage y Stewart son capaces de crear espectros sonoros de tan elevado calibre, apoyados por una sección rítmica que maneja con una misma soltura la fundación de compases machacantes o la elaboración de estructuras rítmicas más ricas en matices, según las exigencias de la ocasión. El primer tema `Garden of Earthly Delights' es una pieza llamativa, alegre, en el cual el jazz y el pop de color beat se fusionan fluidamente. En contraste, el ambiente siniestramente gótico de `Azathoth' y la magia melancólica de `Queen St. Gang' resultan bastante envolventes y cósmicas, constituyéndose tal vez en las piezas más etéreas del disco. El asunto se pone un poco más bluesero en `Leg' y `Clean Innocent Fun', donde hay mucho de jam, especialmente en este último tema, que dura casi 10 minutos y medio. El punto culminante del disco se extiende hasta casi 17 minutos, duración del tema de cierre `Metempsychosis': un alucinante ejercicio de psicodelia imponente, encarnada en una dupla de guitarra y órgano que parece arder en llamas mientras los ejecutantes se elevan en un trance "extraterrenal", siendo así que la base de sus vuelos abrumadores se halla firmemente apoyada en una dupla rítmica que también parece estar en trance. Este tema encapsula de manera más incendiaria que cualquiera de los precedentes la tendencia predominantemente psicodélica del disco. En suma, "Arzachel" es todo un tesoro escondido cuyo descubrimiento ha de resultar una sorpresa especialmente grata para los melómanos investigadores en el periodo de gestación del movimiento progresivo.

Integrantes:

Steve Hillage: guitarra, voz
Dave Stewart: órgano
Mont Campbell: bajo, voz
Clive Brooks: batería

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Daevid Allen

2007-12-03T12:09:00.000-03:00

Banana Moon (71)

Por HL:Daevid Allen nació y se educó en Australia desarrollando sus gustos por el jazz, la poesía y la actuación. Con algo más de 20 años su disconformidad con la sociedad australiana lo llevan a viajar a Europa, desembarcando en Grecia. Pronto se traslada a Inglaterra donde se contacta con unos muy jóvenes Robert Wyatt y Hugh Hooper, con los que más tarde conformaría un grupo de jazz, el Daevid Allen Trio. Su alma viajera lo lleva luego de un año a Paris donde se contacta en el lugar donde residía el Beat Motel con personajes de la talla de William Burroughs y Terry Riley. Luego de un breve y fracasado matrimonio conoce a su eterna pareja Gilli Smyth. Para 1966 se encuentra experimentando con cintas junto a Hugh Hooper. Por ese entonces sufre una experiencia alucinatoria (durante un trip) en la que observa su futuro con Soft Machine y Gong en detalle. Pronto aparece en escena Kevin Ayers con un excéntrico millonario Wes Brunson que les ofrece financiar una banda. De esta forma comienza la conocida historia de Soft Machine con su primera formación Allen, Ayers, Ratledge y Wyatt. También son conocidos los problemas aduaneros que mantuvieron a Allen en Francia al regresar de una gira. Así comienzan los intentos de Daevid de formar una banda en París, Gong como nombre genérico para un ir y venir de músicos, Bananamoon Band con Patrick Fontaine en bajo y Marc Blanc en batería (estos trabajos estan editados en el CD Je Ne Fum' Pas Des Bananes). Antes de la formación del que sería el Gong clásico Allen produce este álbum solista de contenido heterogéneo, rock, blues, bodeville y mucha atmósfera psicodélica. Una versión más (y van...) de Memories (The Wilde Flowers y Soft Machine) esta vez con Wyatt en voz y en guitarra. No se quién canta en White Neck Blooze pero me recuerda a Kevin Ayers aunque este no figura en los créditos. Un álbum enloquecido más cercano al anterior Magic Brother que a lo que desarrollará Allen en los próximos discos de Gong.

Daevid Allen: voz, guitarra
Robert Wyatt: batería, voz, guitarra
Archie Legget: bajo
Gary Wright: teclados
Gerry Fields: violín
Maggie Bell y Barry St. John: coros
Pip Pyle: batería
Christian Tritsch:guitarra, bajo
Nick Evans: Trombon
Gilli Smyth: space whisper

Daevid Allen & Euterpe: Good Morning (76)

Por HL:En 1975 Daevid Allen abandona Gong. Varia son las razones que se han ensayado. Probablemente determinados problemas emocionales de Allen que se han descrito en formas casi místicas (como corresponde a semejante personaje) hayan tenido algo que ver. El algún momento el mismo Daevid esgrime algunas razones de orden musical, particularmente su propia tendencia anticomercial como la razón para dejar en manos de Steve Hillage a la banda que hasta ese momento lideraba. En otros hace manifiestas las discrepancias en el empleo de drogas y fundamentalmente en su intromisión en los hábitos de vida. Inquieto como es su costumbre, eterno peregrino e ilustre fabricante de ideas al recalar en su derrotero en Mallorca y con un contrato con la discográfica Virgin en sus manos, se une a un grupo de músicos locales. Si algunos sospechan que se trata de uno de esos álbumes de compromiso, debo afirmar que yerran ostensiblemente. Muy por el contrario Allen y sus amigos despliegan una obra llena de frescura y delicado encanto, pletórica de agraciadas melodías y finas instrumentaciones. Ya el tema de apertura, Children Of The New World, nos muestra un Allen dispuesto la elaboración de afables tonadas, casi propias de una canción de cuna, con delicadas instrumentaciones acústicas, guitarras, flautas, discreto empleo de teclados y guitarras eléctricas mucho más juguetonas que agresivas. La voz de Allen, más susurrada que nunca se acompaña de comedidos coros femeninos. De la misma manera que Good Morning nos presenta un parsimonioso despertar en un paradisíaco paisaje, Spirit con sus cándidos tarareos alternados con voces pérfidas y reposados pasajes parece querer reflejan el interior del alma de nuestro grácil poeta durante aquellos tiempos. Con Songs Of Satisfaction, otra de las varias encantadoras melodías ofrecidas ya no quedan dudas sobre la intención introspectiva mientras que es imposible no contagiarse del clima optimista y jubiloso de Have You Seen My Friend? y sus aires tradicionales. En French Garden otro retintín bello y casi pueril se alterna con una circunspecta fuerza roquera con la que parecen querer despuntar el gusto. Pero es en Wise Man In Your Heart Wise Man In Your Heart, el tema más eléctrico y prolongado, de hipnótico ritmo, con el bajo al frente, inmutables percusiones y un colchoncito de teclados y glissando guitar sobre el que Allen canta casi en talante letárgico, donde más nos acercamos al Daevid que conociamos. Cierre con el sentido humor exaltado en She Doesn't She… casi jocoso broche final de una genuina alhajita musical que recomiendo fervorosamente. El primer volumen de una serie de 20 CD con material inédito de Allen contiene sesiones con Euterpe, previas al reingreso de Daevid a Gong.

Temas:

1.Children Of The New World 3:42
2.Good Morning 5:18
3.Spirit 4:48
4.Songs Of Satisfaction 2:17
5.Have You Seen My Friend? 3:37
6.French Garden 3:24
7.Wise Man In Your Heart 11:29
8.She Doesn't She ... 2:40
Músicos:
Daevid Allen: guitarra y voz
Gilli Smith: space whisper
Toni Fernández: guitarra
Toni Ares: bajo
Toni Pascual: teclados y voz
Ana Camps: voz
Pepe Milán: guitarra y percusión

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Daevid Allen Trio

2007-12-03T11:46:00.000-03:00

Live 1963

Es frecuente que se mencione a The Wilde Flowers como la banda seminal de la escena de Canterbury. Y probablemente también sea justo. Sin embargo es trascendente saber que la historia gestacional de este movimiento se remonta más atrás. Y hasta se puede decir que debido a la tónica jazzera que exhibía el Daevid Allen Trio es un capítulo que no debe dejar de mencionarse. Después de todo The Wilde Flowers conformaban una banda de R&B. Claro está que estos desprejuiciados músicos del trío (que en algún momento fue incluso cuarteto), no dejó ni siquiera un simple o un demo como si habían hecho en TWF, la siguiente encarnación canterburiana. Sin embargo, y afortunadamente, alguien conservó registros de estos insólitos personajes, grabados en 1963 durante una serie de giras llamadas "Live New Departures auspiciadas por Mike Horowitzs. Para esta época Daevid ya se había contactado con Terry Riley en incluso actuado junto a William Burroughs en su inicial periplo parisino. También había trabajado con loops, técnica que enseñaría a uno de los integrantes de su trío, un fan de Ornette Coleman , llamado Hugh Hopper, quien además de encargarse del contrabajo era compañero de escuela de Robert Wyatt, encargado de la batería. La banda hizo solo tres giras y en una ocasión se sumó a ellos Mike Ratledge encargándose del piano. ¡Cuánta dicha podemos alcanzar al saber que esa actuación en la que intervienen solamente (y nada menos que) músicos de las primeras camadas de Soft Machine, que no llegaron nunca a estar juntos, fue conservada para ser presentada en el CD de Voiceprint! Debe mencionarse que no debe esperarse demasiado en los aspectos específicamente musicales Los muchachos eran aún muy jóvenes y todavía no habína desarrollado todo su potencial. Sin embargo, y muy especialmente en lo que hace a la actuación de Allen también es menester referir que el cimiente que dejaría como marca en los primeros softs y que desarrollaría ampliamente en Gong ya está patente. El frenesí patafisico del larguirucho geniecillo se filtra en sus poemas más que influenciados por la literatura Beat, que recita y oportunamente casi canta sobre las algo primitivas pero gratas improvisaciones y estándares de Robert Wyatt, Hugh Hopper y ocasionalmente Mike Ratledge. A veces el mismo Daevid empuña la guitarra, todavía sin trabajar sus glissandos. Estos pasajes, que incluyen presentaciones y relatos protagonizados por Allen fueron registrados en una cinta monofónica empleando un solo micrófono. Tan imprescindible para fans incondicionales del género como probablemente desechable para el resto de la humanidad. Y solo para ser inquietante hasta me atrevería a decir que en parte la fusión jazz rock ya estaba presente en pasajes de este álbum. Registrado en el Marquee Club en 1963.

Temas:

Love is a Careless Sea. 3.38 (D.Allen)
My Head is a Nightclub. 1.25 (D.Allen)
Capacity Travel (Pts 1-4). 6.30 (D.Allen)
The Song of the Jazzmen. 6.25 (D.Allen)
Dear Old Benny Green is a-turning in his Grave. 10.37 (D.Allen, R.Wyatt, H.Hopper, M.Ratledge)
Ya Sunne WOT. 3.56 (D.Allen)
Frederique la Poisson avec frite sur le dos Version: Tres Rosbif. 2.55 (D.Allen)

Músicos:

Daevid Allen: Guitarra, voz, poesía.
Hugh Hopper: Contrabajo
Robert Wyatt: Batería
Mike Ratledge: Piano

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The Wilde Flowers

2007-12-03T11:42:00.000-03:00

En 1957 un intelectualmente precoz pero emocionalmente inmaduro Robert Wyatt conoce a Hugh Hooper en la secundaria de Kent. Junto al hermano de Hugh, llamado Brian y un compañero de clases, Mike Ratledge conforman una banda del estilo de moda, el skiffle, Robert vivía en Wellington House, caserón que era propiedad de sus padres, que debían alquilar habitaciones para permitirse el mantenimiento. En 1961 arriba un huésped australiano que venía de un peregrinaje por París y Londres. Este músico, poeta, proto-hippie era nada menos que Daevid Allen. Luego de una conflictiva estadía en la casa Daevid vuelve a Londres. Pasa poco tiempo antes de que Robert se le una en un proyecto musical orientado al jazz. Pronto se les une Hugh conformando el Daevid Allen Trio, con la frecuente participación de Mike en teclados (existe un Cd con registros de esos tiempos, Voiceprint). Para este entonces la casa paterna de Wyatt ya se había transformado en un reducto de escritores, poetas y toda clase de artistas. Entre ellos estaba un joven nacido en el área de Canterbury pero criado en Malasia, llamado Kevin Ayers. En 1963 Allen retorna a Paris y Robert, Mike, los hermanos Hooper y Richard Sinclair como guitarrista deciden conformar una banda. Invitan a Ayers a participar como cantante y en 1964 hacen su aparición The Wilde Flowers. En el álbum editado por Voiceprint en 1995 aparecen algunos registros de esta formación. No esperen encontrar el sonido característico de lo que posteriormente seía el estilo de Canterbury. Son temas de rithm and blues. Es igualmente maravillosa la aventura de reconocer a nuestros héroes en la ejecución de estas canciones, en las que ya se adivina el amor por el jazz y el cuidado por las melodías, imperdible "She's Gone" luego versionada por Soft Machine con Wyatt en la voz. Ayers pronto se retira y a pesar de los intentos de Robert de ser el cantante principal ingresa Graham Flight (luego en The Polite Force) para ocuparse del puesto. Un año después Flight se retira y Robert logra su ambición. Para ocuparse de la batería ingresa Richard Coughlan. Richard Sinclair también se separa ingresando en su lugar Pye Hastings al principio solo en guitarra. Los temas de este periodo son ya algo más elaborados, pero para mediados de 1966 Wyatt se va de la banda para formar con Ratledge, Ayers y Allen el primer Soft Machine, cuyos registros aparecen en "Jet Propelled..." . Hay cambios en la banda, Hugh decide convertirse en el saxofonista e ingresa Dave Lawrence para ocuparse del bajo, y David Sinclair en teclados. Lamentablemente no hay registros grabados con David. La experiencia de Soft Machine con quien compartieron escenarios estimula a algunos miembros que deciden formar una banda que también de un salto en lo musical. Hugh se integra a los Softs y Coughlan, Hastings y David Sinclair se unen a otro ex TWF Richard Sinclair para conformar Caravan. Brian Hopper y Dave Lawrence conforman el menos exitoso (y también menos ambicioso) Zobe cuyos demos también aparecen en este álbum. Como regalo final aparecen en el álbum 4 demos de 1969. “She Loves to Hurt” con Hastings en voz y guitarra acompañado por H. Hooper y R. Wyatt, “Impotence” con la misma formación pero con Robert en la voz, “The Big Show” y “Memories” por lo que viene a ser el Soft Machine de ese momento. Esta versión (diferente de la "Jet Propelled..." y por supuesto a la de Banana Moon) junto a las otras dos que trae el CD, una de instrumental de 1965 y otra cantada 1966 nos sirven de parámetros para ver la evolución de estos músicos. Imprescindible para fans del Canterbury que deseen explorar lo orígenes del movimiento.

Integrantes de las diferentes formaciones:

Kevin Ayers : Voz
Richard Coughlan : batería
Graham Flight : voz
Pye Hastings : Guitarra, voz
Brian Hopper : Guitarra, Saxos, Voz
Hugh Hopper : Bajo
Dave Lawrence : Bajo, Voz
John Lawrence : Guitarra
Mike Ratledge : Organo, Flauta
Richard Sinclair : Batería, Guitarra, Percusión
Robert Wyatt : Batería, Percusión, Trombón, Voz
David Sinclair: teclados.

Cronología:

1ra Formación (11/64-3/65): Brian Hopper, Hugh Hopper, Robert Wyatt, Richard Sinclair, Kevin Ayers.
2da Formación (4/65-9/65): Graham Flight, Brian Hopper, Hugh Hopper, Robert Wyatt, Richard Sinclair.
3ra Formación (10/65-7/66): Richard Coughlan, Pye Hastings, Brian Hopper, Hugh Hopper, Robert Wyatt.
4ta Formación (7/66-6/67): David Sinclair, David Lawrence, Richard Coughlan, Pye Hastings, Brian Hopper, Hugh Hopper. Luego durante un breve período continúan sin Hugh.

Registrado entre 1965 y 1969

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Capitulo 6. La Ultima Gran Banda: National Health:

2007-12-03T11:35:00.000-03:00

Formada con la fusión de Gilgamesh y Hatfield and the North en 1975, con el concepto de formar una orquesta de rock con dobles teclados, guitarras, baterías y bajos, además de tres cantantes femeninas. Eran sus integrantes iniciales Dave Stewart (Uriel, Egg, Khan, Gong Hatfield and the North), y Alan Gowen (Gilgamesh ) en teclados, Phil Miller (Delivery, Matching Mole, Hatfield and the North) y Phil Lee (Gilgamesh ) en guitarras, Amanda Parsons en voz y Mont Campbell (Uriel, Egg) en bajo. Si bien Pip Pyle colaboró en batería, quien ocupó en definitiva el puesto fue nada menos que Bill Bruford. Esta formación no llega a grabar ningún álbum, aunque afortunadamente sus trabajos fueron publicados en el CD "Missing Pieces". En 1976 Phill Miller es reemplazado por Steve Hillage (Uriel), Khan, Gong) y Bruford prefiere tocar con Genesis, intentar un fallido supergrupo con Rick Wakeman y John Wetton y terminar girando con UK por lo que ingresa John Mitchell, posteriormente relevado al regresar Pip Pyle. Los cambios en las filas de National Health fueron frecuentes, como es característica de los grupos de este movimiento. Sin embargo en la discografía oficial editada originalmente Stewart, Miller y Pyle se mantuvieron estables.

Capitulo 5: Las nuevas bandas: Matching Mole, Hatfield and the North, Gilgamesh y Khan:

2007-12-03T11:33:00.000-03:00

Matching Mole: Las diferencias musicales en Soft Machine, terminan provocando la salida de Robert Wyatt, quien resuelve hacer frente a su propio proyecto. El nombre de la banda procede de una deformación del título en francés de la novela de William Burrough, Machine Molle (y que en inglés es Soft Machine). Para integrar la banda invita a a otro ex integrante de The Wilde Flowers, Dave Sinclair, al guitarrista Phil Miller (Delivery) y al baterista Bill MacCormick. Dave McRae participa como invitado pero luego de grabar el primer álbum ingresa como segundo tecladista estable. Disconforme con la orientación musical del grupo Sinclair deserta. Los cuatro miembros remanentes graban el segundo álbum y poco después en 1972 se distancian por decisión de Robert. Un año más tarde mientras había planes de una reintegración en la que participaría Francis Monkman de Curved Air, Robert sufre una caída de un cuarto piso que lo dejaría parapléjico. Esto deja trunco el proyecto, pero dispone a Robert a iniciar su carrera solista.

Hatfield and the North (nombre que surge de un cartel indicador de la perisferia londinense) se forma en 1972 a partir de Delivery con el guitarrista Phil Miller (Delivery, Matching Mole), el baterista Pip Pyle (Delivery, Gong ), Richard Sinclair (The Wilde Flowers, Caravan, Delivery) en bajo y voz Dave Sinclair (The Wilde Flowers, Caravan) en teclados. Inconforme con los altos niveles de improvisación Dave Sinclair se aleja y es sucedido por Dave Stewart (Uriel, Egg Khan). Esta formación es la que participa de los dos discos originales del grupo.
Gilgamesh: Banda constituida alrededor de Alan Gowen en teclados y Mike Travis en batería en 1972. Por ella desfilaron varios músicos, entre ellos Richard Sinclair y Alan Wakeman (primo del tecladista de Yes). Posteriormente se une Phil Lee en guitarra y Neil Murray en bajo. Presentan varios cambios de bajista incluyendo a Mont Campbell (Uriel, Egg). Registran un álbum en 1975 y se separan. Tres años después de su disgregación Gilgamesh se une para un nuevo álbum llamado "Another Fine Tune", con Trevor Tomkins en batería y el ex Soft Machine Hugh Hopper en el bajo. Cuneiform Records editó en el 2000 "Arriving Twice", que contiene material inédito del periodo 73-75.
Kahn: Durante 1971 Steve Hillage restablece el vínculo con su ex compañero de Egg, Dave Stewart. Luego de algunos cambios la banda que grabaría un único álbum queda conformada en 1972 también por Eric Peachy en batería y Nick Greenwood (The Crazy Word of Arthur Brown) en bajo. Luego de idas y venidas Stewart decide establecerse en la banda, pero la historia sería breve, pues Hillage se va con Kevin Ayers y posteriormente se integra a Gong. Los motivos de la separación se basan en que el material compuesto para un segundo álbum no fue aceptado por la discográfica debido a su complejidad y consecuente ausencia de comercialidad.

Capitulo 4: ¿Que sucedió con Kevin y Daevid?

2007-12-03T11:28:00.000-03:00

Daevid Allen nació y se educó en Australia desarrollando sus gustos por el jazz, la poesía y la actuación. Con algo más de 20 años su disconformidad con la sociedad australiana lo llevan a viajar a Europa. En Inglaterra se contacta con unos muy jóvenes Robert Wyatt y Hugh Hooper, con los que más tarde conformaría un grupo de jazz, el Daevid Allen Trio. Su alma viajera lo lleva luego de un año a Paris donde se contacta en el lugar donde residía, el Beat Motel con personajes de la talla de William Burroughs y Terry Riley. Luego de un breve y fracasado matrimonio conoce a su eterna pareja Gilli Smyth. Para 1966 se encuentra experimentando con cintas junto a Hugh Hooper. Por ese entonces sufre una experiencia alucinatoria (durante un trip) en la que percibe su futuro con Soft Machine y Gong en detalle. Pronto aparece en escena Kevin Ayers con un excéntrico millonario Wes Brunson que les ofrece financiar una banda. De esta forma comienza la conocida historia de Soft Machine con su primera formación Allen, Ayers, Ratledge y Wyatt. También son célebres los problemas legales que mantuvieron a Allen en Francia al regresar de una gira. De esta manera termina su historia con los Softs y comienzan los intentos de Daevid de formar una banda en París. Gong como nombre genérico para un ir y venir de músicos y Bananamoon Band con Patrick Fontaine en bajo y Marc Blanc en batería (con trabajos editados en el CD “Je Ne Fum' Pas Des Bananes”). Para 1969 edita un álbum llamado “Magick Brother/Mystick Sister” en el que participan Gilli Smyth y Didier (Bloomdido) Malherbe. Este álbum sería editado ulteriormente como perteneciente a Gong. En 1971 bajo el nombre de Bananamoon, ve la luz otro álbum en el que colaboran Robert Wyatt y Pip Pyle. Este último ingresa a la formación de Gong que edita Camembert Electrique. Sin embargo recién a partir de 1972 con la aparición de la Trilogía Radio Gnome Invisible veremos desfilar los nombres del Gong más famoso Steve Hillage en guitarra Tim Blake en sintetizador Francois Moze (ex Magma) en bajo luego reemplazado por Mike Howlett, Pierre Moerlen supliendo a Pyle y como siempre en los vientos Didier Malherbe. Con cambios en la formación y con idas y venidas de Allen, Gong se encuentra activo hasta la actualidad.

Kevin Ayers nació en Kent, pero pasó su infancia en Malasia. Luego de la gira norteamericana de los Softs inicia su carrera solista custodiado por el pianista David Bedford. Forma una banda llamada The Whole World donde participan entre otros el saxofonista de Delivery, Lol Coxhill, el joven portento Mike Oldfield en bajo y guitarra y varios bateristas entre ellos Robert Wyatt. Durante los ‘70s edita Joy of a Toy (70), Shooting at the Moon (71), Whatevershebringswesing (72), Bananamour (73), The Confessions of Dr. Dream (74) y otros. A fines de la década se establece en Mallorca y actualmente reside en Francia.

Capitulo 3: Mientras tanto… (Uriel, Egg, Delivery)

2007-12-03T11:25:00.000-03:00

Cuatro estudiantes del City of London School, Dave Stewart, Mont Campbell, Steve Hillage y Clive Brooks forman Uriel. Los tres primeros eran guitarristas pero al ser Steve el más hábil, Dave decide tocar el órgano y Mont el bajo. El repertorio está fundamentalmente compuesto por covers y composiciones ajenas. Influenciados entre otros por The Nice y Cream realizan un álbum que ve la luz en 1969, cuando Steve ya se había retirado para continuar sus estudios de filosofía en Canterbury, donde se contacta con músicos de la región, particularmente con los miembros de Caravan. Mientras tanto el resto de los miembros cambian su nombre a Egg. Debido a su estilo musical y a pesar de no haber tomado en ese momento todavía contacto con el resto de los integrantes del movimiento son considerados miembros de la familia. Egg edita dos álbumes: "Egg" (1970) and "The Polite Force" (1971). Se separan en 1972 pero en 1974 se produce una reunión para la grabación de un tercer álbum "The Civil Surface" donde Hillage aparece como invitado. Posteriomente Stewart e Hillage participarán de Khan. Dave será tecladista de los Hatfields y Steve participará de Gong.

El guitarrista Phil Miller y el baterista Pyp Pyle crecieron juntos en le pueblo de Sawbridgeworth en Essex. En la adolescencia participaron de una banda llamada Brunos Blues Band. Steve Miller, hermano mayor de Phil tocaba el piano y regenteaba un pub donde se presentaban numerosos músicos. Allí conoció y llegó a tocar con la leyenda británica del blues, Alexis Corner. Pronto Phill, Pyp y Steve se uniran a Jack Monk como bajista formando Delivery, ulteriormente se integrará Lol Coxhill en saxo y Roy Babbington suplantará a Jack. El ingreso de Carol Grimes como cantante terminará de conformar la banda que grabó “Fools Meeting”. En 1971 Steve reemplazará a Dave Sinclair en Caravan. Phil Miller será considerado “el guitarrista del Canterbury” al formar parte de Matching Mole, Hatfield and the North y National Health entre otros grupos. La carrera de Pyp no fue menos importante, pues participó en Gong, y junto a Phil en Hatfield and the North y National Health.

Capitulo 2: Soft Machine y Caravan:

2007-12-03T11:21:00.000-03:00

El Soft Machine de los primeros tiempos se preocupó más por tocar que por grabar. De este modo, con un solo simple en las bateas, eran una de las bandas más populares de la escena psicodélica londinense. Participan del “14 Hour Technicolor Dream Extravaganza” en el Alexandra Palace, junto al Pink Floyd de Syd Barrett y se trasladan a Francia a un festival avant garde en Sain Tropez. De regreso Allen no puede ingresar a Inglaterra y permanece en Francia donde constituiría más tarde Gong. Como trío marchan a Estados Unidos en gira con Jimmi Hendrix Experience. Alli graban el primer álbum oficial de los Soft y durante parte de la gira se les acopla como guitarrista Andy Summers, (si, el guitarrista de The Police). Wyatt y Ayers no coincidían en la dirección musical que debía tomar Soft Machine y esto motiva el distanciamiento de Kevin que seguirá una carrera solista y una corta separación de grupo. Nuevamente en Inglaterra Hugh Hopper es llamado para tocar el bajo y grabar poco después el segundo álbum. Los Softs comienzan un camino en el que el jazz tendría una participación preponderante con la incorporación de los miembros de la Keith Tippett's jazz band : Elton Dean en saxo, Marc Charig en trompeta, Nick Evans en trombón. También participarán en vientos Lyn Dobson y Brian Hooper. Los cambios continuarán en la banda hasta que en 1976 el último miembro original, Mike Ratledge deja la banda cansado de ser el centro de atracción. Soft Machine ha continuado produciendo álbumes hasta 1981 con Karl Jenkins en teclados, John Marshall en batería, Allan Holdsworth en guitarra y otros músicos invitados.

Capitulo 1. The Wilde Flowers:

2007-12-03T11:16:00.000-03:00

En 1957 un intelectualmente precoz pero emocionalmente inmaduro Robert Wyatt conoce a Hugh Hooper en la secundaria de Kent. Junto a Brian, hermano de Hugh, y un compañero de clases, Mike Ratledge conforman una banda del estilo de moda, el skiffle. El lector atento notará que los cuatro participarían años más tarde de Soft Machine. Robert vivía en Wellington House, un caserón, propiedad de sus padres, que debían arrendar habitaciones para permitirse el mantenimiento. En 1961 arriba un huésped australiano que llegaba de un peregrinaje por París y Londres. Este músico, poeta, proto-hippie era nada menos que Daevid Allen. Luego de una conflictiva estadía en la casa, durante la cual fue acusado de instigar el intento de suicidio del adolescente Robert, Daevid vuelve a Londres. Sin embargo menos de dos años más tarde se unen en un proyecto musical orientado al jazz. Pronto se les acopla Hugh conformando el Daevid Allen Trio, con la frecuente participación de Mike en teclados. Existe un CD con registros de esos tiempos publicado por Voiceprint. Para este entonces la casa paterna de Wyatt ya se había transformado en un reducto de escritores, poetas y toda laya de artistas. Entre ellos estaba un joven nacido en el área de Canterbury pero criado en Malasia, llamado Kevin Ayers. En 1963 Allen retorna a Paris y Robert, Mike, los hermanos Hooper y Richard Sinclair como guitarrista deciden conformar una banda. Invitan a participar a Ayers, quien a pesar de no considerarse músico ingresa como cantante. En 1964 hacen su aparición The Wilde Flowers (con “e” en homenaje a Oscar Wilde) En el álbum homónimo editado por Voiceprint en 1995 aparecen algunos registros de esta formación con temas de rhythm and blues lejanos aún al sonido característico de lo que posteriormente sería el estilo de Canterbury. Es igualmente fascinante la aventura de reconocer a nuestros héroes en la ejecución de estas canciones, en las que ya se adivina el amor por el jazz y el cuidado por las melodías. Ayers pronto los abandona y a pesar de los intentos de Robert de ser el cantante principal ingresa en su lugar Graham Flight (más tarde en The Polite Force). Un año después Flight se retira y Robert logra su ambición. Para ocuparse de la batería ingresa Richard Coughlan. Richard Sinclair también se separa ingresando en su lugar Pye Hastings al principio solo en guitarra. Coughlan, Sinclair y Hastings posteriormente formarán Caravan. Los temas de este periodo se muestran más elaborados, pero para mediados de 1966 Wyatt se va de la banda para formar con Ratledge, Ayers y Allen el primer Soft Machine, cuyos registros aparecen en "Jet Propelled". Hay cambios en la banda, Hugh decide convertirse en el saxofonista e ingresa Dave Lawrence para ocuparse del bajo, y David Sinclair en teclados. Lamentablemente no hay registros grabados con David. La experiencia de Soft Machine con quien compartieron escenarios estimula a algunos miembros que deciden formar una banda que también de un salto en lo musical. Hugh se integra a los Softs para participar del segundo álbum y Coughlan, Hastings y David Sinclair se unen a otro ex The Wilde Flowers, Richard Sinclair para conformar Caravan. Brian Hopper y Dave Lawrence conforman el menos exitoso, y también menos ambicioso Zobe cuyos demos aparecen en el álbum que recopila la obra de The Wilde Flowers.

Canterbury

2007-12-03T11:09:00.000-03:00

Introducción

Por Humberto Luna

¿Qué es el estilo Canterbury?

Para la generalidad de las personas Canterbury es una ciudad inglesa del condado de Kent célebre por sus castillos e iglesias. El entusiasta de la literatura se orientará hacia los Canterbury Tales de Geoffrey Chaucer. Pero quien ama la música relacionará el término inmediatamente con Soft Machine y Caravan. ¿Pero que es esto del Canterbury? ¿Es solo un estilo musical acuñado por un par de bandas o constituye una tendencia de mayor desarrollo? Tratemos de revelar estas cuestiones.

Una forma sencilla de comprender este movimiento podría partir de analizar los grupos que surgen a partir de la integración y desmembramientos de los músicos de la banda seminal The Wilde Flowers. Sin embargo gran cantidad de grupos que indefectiblemente se relacionan a esta escena no han tenido integrantes de esta banda. Ampliando el concepto podríamos pensar que se puede catalogar dentro de este estilo a las bandas surgidas en la región de Canterbury. Pero nos tropezaremos con que deberíamos excluir a participantes conspicuos del movimiento que han tenido su base incluso fuera del Reino Unido. Diversas características musicales son típicas del estilo: incorporación del jazz y la improvisación, cordiales melodías de cardinal raigambre británica, incorporación del humor en las letras y en los títulos de los temas, y por supuesto el representativo sonido del órgano con fuzz. Deberemos aceptar igualmente que cualquiera de estas características no está presente en el ciento por ciento de las bandas. Claramente podemos visualizar que el Gong de “You” se parece muy poco al Caravan del primer álbum o al Soft Machine de “Third”. Para complicar aún más las cosas uno de los pilares de esta escena, Robert Wyatt reniega de la existencia del Canterbury como estilo. Sin lograr una definición concluyente del estilo trataré de explicar sus particularidades a través de un repaso de la historia y discografía de sus representantes.

Historias de Canterbury:

Antecedentes:

Bandas:

Los Grillos

2007-11-27T18:02:00.000-03:00

Vibraciones Latinoamericanas (74)

Un disco con 8 temas con una duración total que no alcanza la media hora. De alguna manera puede trazarse un paralelismo con Los Jaivas de Chile, pero se debe tener en cuenta que la raíz folclórica es diferente y con un sonido propio de altiplano. Además Los Grillos no abandonan en ningún momento la esencia roquera manteniendo la fuerza de las bases y haciendo que instrumentación eléctrica acompañe siempre a los instrumentos autóctonos. Incluso en algunos temas los teclados toma algunos clichés del Space Rock. Las voz de Sadi es agradable y discreta, interviniendo en dosis moderadas y dando espacio al lucimiento de la música instrumental. Para mi gusto es un punto flojo el haber incluido "Canción con Todos" de César Isella, sin embargo debo reconocer que la versión es aceptable. Los Grillos no toman riesgos pero logran un álbum fresco y agradable.

Temas:
Pueblito
Leño Verde
María Sol
Poncho Rojo
Lejanía
Charagua
Canción Con Todos
Mi Raza

Músicos:
Pocho: Bajo
Sadi: Voz, percusión
Pitus: primera guitarra
Carlos: segunda guitarra
Chali: Batería, percusión
Chabo: Flauta, quena

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Wara

2007-11-27T17:47:00.000-03:00

El Inca (73)

Se forma a principios de los 70s incursionando en la psicodelia. Para cuando graban El Inca están inmersos en una corriente netamente progresiva que combina el rock, la música clásica y el folklore. El álbum exhibe momentos de muy atractivo nivel y si bien tiene algunos altibajos se trata en general de un disco muy agradable. Combinan muy bien los distintos ingredientes de su música que puede definirse dentro del estilo sinfónico con algunos toques de rock duro, particularmente en lo que a guitarras y voces se refiere. En algunos momentos estas voces recrean algunos giros al estilo de Ian Guillan, aunque el resto de los instrumentos con el dominio de los teclados tratan de mantener estructuras refinadas. Lejos de parecerse a sus colegas sudamericanos Arco Iris o Los Jaivas, Wara desarrolla un estilo diferenciado sin asentarse tan definidamente hacia el lado del componente folklórico. La mayor parte de las letras están basadas en la obra de Alcides Arguedas llamada "Raza de Bronce". Luego de grabar El Inca se inclinan hacia la exploración folklórica titulando a sus álbumes correlativamente en la numeración Aymara.

Temas:
El Inca
Realidad
Canción para una niña triste
Wara
Kenko

Músicos:
Carlos Daza: Guitarra
Jorge Cronembold: Batería
Pedro Sanjines: Teclados
Nataniel Gonzáles, Dante Uzquiano: Voces
Omar León: Bajo

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Rock Boliviano

2007-11-27T17:18:00.000-03:00

Indudablemente Bolivia no ha tenido un movimiento de la magnitud de otros países sudamericanos. El interesado en el rock de los 70s seguramente conoce bandas de Argentina, Chile o Uruguay y muy probablemente se sorprende al conocer que Bolivia, aún con un pequeño mercado y con falta de apoyo a los músicos de rock ha dado al luz varias bandas, algunas de ellas con el legado de grabaciones discográficas. A fines de los 60s y principios de los 70s bandas como los Loving Darks con un estilo "Rolling Stones", Bonny Boy Hots, Los Crickets (luego Los Grillos), Los Dhag Dhags, etc. hacían fundamentalmente covers de bandas pop y rock sesentero extranjeras, incluso de algunas de Argentina como Los Gatos y Almendra. Los Signos también comenzaron de esta manera pero luego introdujeron versiones de Deep Purple, Led Zeppelin y Pink Floyd y también temas propios, grabando varios LPs y llegando a incursionar en el rock fusionado con folclore. Wara fue uno de los puntos más elevados con su álbum "El Inca" en el que incorporan el folclore al rock progresivo sinfónico. 50 de Marzo fue una banda que emigró a USA en 1971. En 1975 dos de sus miembros retornan a Bolivia y junto a Carlos Daza de Wara fundan una banda de ideas vanguardistas, Estrella de Marzo, quienes graban un LP que alcanza notoriedad. Daza se retira y es reemplazado por Jorge “Pitus” Quiroga, quien más tarde integraría Los Grillos. Por el momento presentamos solo a dos de estas, pero tal vez más adelante tengamos la posibilidad de conocer otras.

(Gracias a Nano y a Diego por este material)

Info:

www.laprensa-bolivia.com/20020511/cultura.htm
www.ea.gmcsa.net/2001/03-Marzo/20010311/cuerpof/portada.htm
www.166.114.28.115/20020309/ciudad/ciudad04.htm
www.angelfire.com/wa/wara/index.html

Díaz, Kubero

2007-11-27T10:07:00.000-03:00

Kubero Díaz y La Pesada (73)

El ex guitarrista de La Cofradía de la Flor Solar realiza su correspondiente álbum solista con los miembros de La Pesada, de la misma forma que lo hicieran, el violinista Pinchevsky, el bajista Medina y el guitarrista Claudio Gabis. Acompañado por estos miembros y por Isa Portugheis en batería y Miguel Cantilo en voz realiza un disco con temas que por momentos recuerdan a la obra de La Cofradía, pero en general más orientado a un rock más poderoso, matizado con un par de tonadas orientadas al folk. Díaz produce un catálogo de impresionantes sonidos con su guitarra y el trabajo de Pinchevsky alcanza el mejor nivel en temas como el espectacular "Algo esta por Suceder" ó el instrumental "Colgado de la nubes". Un disco recomendable.

Contraluz

2007-11-27T10:02:00.000-03:00

Americanos (73)

Única producción durante los setenta de una banda que mereció más suerte debido a sus intenciones musicales y sin embargo quedó relegada a la categoría de grupo de culto. En la música de Contraluz se aprecian contenidos folklóricos e incluso tangueros pero no como ornamentaciones musicales o debido a la incorporación de instrumentos típicos, sino como evidencia de su formación cultural que inevitablemente aparece en las composiciones. Caracteriza a la música de Contraluz una poderosa base en manos del bajista Diego Prochnik y del dúctil baterista Néstor Barrio, un guitarrista, Carlos Barrio que puede ser sutil en unos pasajes y enérgico en otros, el reiterado protagonismo de la flauta transversa, ejecutada por Alejandro Barsi que hizo que la banda tuviera que soportar el mote de imitadores de Jethro Tull, calificación injusta, no porque en algunos momentos no se asemejen a la banda británica sino porque cercena la amplitud musical de un grupo que ya en ese momento tenía personalidad propia y que daba evidentes muestras de estar en la búsqueda de una madurez que no pudimos apreciar por ver truncada su evolución. La voz de Alvaro Cañada llega a extremos que con un estilo diferente son explorados por ejemplo por cantantes como Francesco Di Giacomo de Banco. Escuchar el álbum nuevamente después de 25 años me produjo una profunda emoción que probablemente me reste objetividad, pero no creo equivocarme al decir que temas como "Indios sin Prisión", "Sin Trabajo" o "La Sarna del Viento" están entre los mejores que se han producido en Argentina. Ya desde los títulos se aprecia el compromiso de sus letras. Contraluz recientemente se ha reunido y editado un nuevo álbum llamado "El Pasaje". Es de esperarse que esto motive la reedición en CD de esta obra.

El Pasaje

Luego de 27 años Contraluz volvió a los estudios para grabar una nueva obra. Continúan dentro de la vertiente progresiva pero no se han quedado dormidos en el tiempo.
El Pasaje: Extenso tema de 19 minutos de duración dividido en tres partes: La Oscuridad, El Sueño y Amanecer. Contraluz se atreve a contar una historia y lo hacen realmente muy bien, con cambios rítmicos acordes al relato, momentos de intensidad, y de distensión. La batería suena tan bien como antes, el bajo ha mejorado, Carlos Barrio emplea más recursos que en aquellos años. No deja de llamar la atención la nueva voz de Contraluz, Jaime F. Madero y la presencia tan profusa de teclados también en manos de Jaime.
Claridad: Una canción melódica, con guitarra acústica y pasajes del teclados sonando delicadamente, una poesía cuidada dedicada al amor.
Amigo: Un comienzo instrumental de energía sin estridencias con piano y guitarra, que resuelven en una melodía que acompaña a un canto a la amistad. La voz de Jaime Madero es correcta sin mostrar un registro amplio pero sin errores, seguramente más adecuada para estas canciones que la poderosa voz que nos mostraba hace años Alvaro Cañada. Promediando el tema una sección instrumental liderada por los teclados. Sobre el final es la guitarra eléctrica de Carlos Barrio la que predomina.
La Cima: Como en los ´70s toman elementos folklóricos que amalgaman con el rock, Carlos Barrio alterna la guitarra acústica con una poderosa guitarra eléctrica, pero deja lugar al lucimiento de los teclados. Varios cambios rítmicos que se apoyan en la sobriedad de la base de Néstor Barrio en batería y Freddy Prochnik en el bajo. La desolación del hombre que conserva ideales en el Siglo XXI.
El Gigante: Un poderoso rock de riffs con la emblemática flauta de Contraluz esta vez bajo el dominio de Carlos Barrio. Otra vez impecables Néstor Barrio y Prochnik, con gran lucimiento del bajo a lo largo del tema especialmente en la segunda mitad luego de un lamentablemente breve pasaje dónde la flauta y el bajo se quedan sonando solos. En las letras nuevamente se advierte disconformidad con las conductas de los tiempos que corren.
Hay una Voz: Tema casi pastoral, con aires medievales pero con pasajes de sabor folklórico. Piano, guitarra acústica y necesaria flauta. Una melodía melancólica y un mensaje esperanzador.
Exilio en el Espacio: Otro tema extenso (más de 18 minutos), con una primera mitad que se basa en una tonada lenta que se interrumpe con pasajes instrumentales de instrumentación más enérgica, cambios rítmicos en un interesante despliegue instrumental que mantiene la línea del álbum donde en ningún momento se recurre la disonancia o la estridencia.
Contraluz podría haber optado por volver a tocar los magníficos temas de los '70s o por retomar el viejo estilo que los convirtió en una banda de culto del rock argentino. Sin embargo decidieron tomar por la senda más riesgosa. Renovaron las formas musicales, incorporaron nuevos instrumentos, las letras evidentemente siguen manifestando sus inquietudes pero la temática es acorde a los tiempos que corren. Aceptaron los riesgos y salieron airosos. No es momento de evaluar si este álbum hará historia como lo hizo Americanos, lo importante es que Contraluz está en actividad ofreciendo una propuesta más que válida en el escuálido panorana actual del rock argentino.

Ramos Generales:

Luego de una larga espera Contraluz edita su segundo álbum de esta nueva etapa, tercero de su discografía. Hay muchos puntos de contacto con el anterior CD, “El Pasaje” fundamentalmente en el tratamiento sinfónico de las composiciones. Sin embargo lejos de quedarse conformes con los buenos resultados de ese trabajo, felizmente han incorporado elementos que han sido enriquecedores en la mayor parte de los casos. El sumergirse en los ritmos autóctonos fusionándolos con el rock, sin dejar de sonar como rock ha sido una característica de la banda desde sus primeras épocas. Ahora se agregan también varias pinceladas tangueras. No es que Contraluz necesite de estas características para sonar a rock argentino (y esto va más allá de cantar en castellano), su musicalidad es intrínsecamente nacional. Pero estos aportes rubrican una búsqueda de identidad propia que siempre se notó en la banda. También hay temas que se inclinan al pop elaborado y algunas baladas, que si bien no forman parte de mis temas favoritos, debo reconocer que balancean adecuadamente el contenido del cd. En los aspectos instrumentales, todos los comentarios de mi parte son positivos. Tanto por lo demostrado en el álbum como asi también, en vivo hablar de la solidez de la base de Nestro Barrio y Freddy Prochnik es ya un lugar común, solo podemos remarcan la comodidad con que se adaptan a los diferentes ritmos. La amplia gama de sonoridades que surge de los teclados de Jaime Fernández Madero y el empleo de diferentes instrumentos por Carlos Barrio: guitarras eléctricas, acústicas, charango y su notable progreso en el instrumento fetiche de la banda, la flauta transversa, dan como resultado una obra multicolor que se enaltece con los arreglos orquestales en manos de Fabián Cartier. El nombre del álbum no podía ser mas adecuado. Hermoso trabajo gráfico del Tano de Palermo.

Carlos Barrio: Guitarra
Néstor Barrio: Batería
Alvaro Cañada: Canto
Alejandro Barsi: Flauta traversa y voz
Diego Prochnik: Bajo

Entrevista a Alejandro Barzi, el otro integrante de Contraluz

2007-11-26T16:49:00.000-03:00

Progresiva70s ha presentado anteriormente un reportaje a Néstor Barrio baterísta de Contraluz. Los otros integrantes de la banda en la época en que se grabó el mítico álbum "Americanos" eran Carlos Barrio en guitarra, Freddy Prochnik en bajo, Alvaro Cañada en voz y Alejandro Barzi en flauta traversa. Mariano Nicolás Anastassiades (Hermano Sol), tuvo un encuentro con este último integrante y estos son sus comentarios. Quiero agradecer a Mariano esta nota. B.M.

En nuestra primera emisión de Cronopios sin fama, tuvimos el honor de tener como invitados a dos integrantes de la banda de rock progresivo Contraluz, Néstor Barrio y Freddy Prochnik. Un tercer integrante, Carlos Barrio, salió al aire por teléfono y nos reveló la ubicación de un antiguo miembro del grupo original. Dada la posibilidad de trasladarse a la patagonia, este cronopio relata el encuentro con Alejandro Barzi, flautista de Contraluz en los tempranos setenta.
Barzi es una de esas personas increíbles, con las que se puede empezar hablando sobre música y terminar conjeturando sobre las profecías mayas, que advierten las terribles consecuencias de la inconsciente actividad humana sobre el planeta. Tengo que confesar que fue la entrevista más divertida, extraña y desordenada que realicé hasta el momento. ¡Qué personaje! Veamos..., veamos... ¿por dónde comienzo? Mejor sigo el rumbo que trazó el mismo entrevistado. Sentados en el bar de una estación de servicio moderna, y entre vasos de jugo de durazno, la conversación comenzó por el final y culminó en el principio, con la elocución psicodélica del entrevistado.
A los seis años comenzó su carrera en la música, aprendiendo a tocar la guitarra y a leer música con una profesora particular. Más tarde aprendió a tocar el piano, recién a los 20 años. Cuando vendió un departamento y la chacra que había comprado comenzaba a dar sus frutos en la producción, surgió en su camino la posibilidad de tomar un puesto como maestro de música en algunas escuelas de El Bolsón. En cinco años trabajó con chicos de quinto, sexto y séptimo grado y les enseñó a fabricarse sus propios instrumentos, así que también se interesó por la luthería.
Hicieron quenas, quenachos, pincuyos, moxeños y llegaron a presentar la misa criolla con esos instrumentos nativos. Tan bien le salió la idea que en 1982, y en plena Guerra de las Malvinas, se le ocurrió presentar una grabación en Buenos Aires, contactándose con el maestro del charango, Jaime Torres, quien conducía el programa Canto de cuna. El folclorista se interesó tanto en el proyecto que lo difundió y apoyó para que Barzi y sus alumnitos se presentaran en toda la provincia de Chubut. "No dejé a nadie de lado, cada uno tenía su función dentro del grupo. El que no sabía tocar ni afinar con la voz, agarraba un bombo u otro elemento de percusión", dice Alejandro y agrega que los chicos ensayaban en los recreos, porque ése era el único momento en el que podían estar todos los integrantes juntos.
También trabajó como maestro de música en una escuela nocturna del pueblo, a la que asistían gran cantidad de músicos de la zona, o que habían venido desde Buenos Aires y residían allí desde los sesenta. Entre ellos estaban María José Cantilo, hermana del ilustre Miguel Cantilo; los músicos que ahora integran Tincazo, un famoso conjunto local de fusión entre varios géneros musicales. "Lo único que les enseñé fue a comprender el lenguaje del nomenclador musical y sus reglas, porque eran muy buenos músicos y de muy buena ductilidad", aclara Barzi.
Luego retrocede aún más en el tiempo y se remonta al año 1979, cuando el cineasta Osvaldo Terranova vino a la región a realizar una película en formato Súper 8. Ese fue el momento en el que participaron los músicos de Bolsón 5, banda que funcionó a manera de alma máter de Piedrabocha y El Tinkazo. Reconoce que tuvo que irse de Buenos Aires por el problema político y la situación de violencia que se vivía a mediados de los setenta en la capital argentina. "Los parapoliciales fueron al taller de mi compañera de entonces, así que tuve que irme", recuerda con una extraña mezcla de tristeza y alegría. Alegría porque desde que viajó a El Bolsón y se instaló en la Comarca Andina del Paralelo 42°, su vida cambió totalmente.
"Cuando me fui, estuve viajando por todo el mundo. Viví mucho tiempo en Ecuador, recorrí Afganistán en moto, cuando no estaba todo el quilombo de la guerra... ¡Ni los rusos estaban!", comenta a risotada limpia. Al asentarse en El Bolsón, por consejo de su abuela, que de chico le decía: "Existe un paraíso al sur de Bariloche". Y lo sabía bien, su marido, Calixto Sosa (abuelo de Alejandro), había sido Contador de Tierras y Colonias en la Patagonia, en los años veinte, cuando aquí no había caminos, ni comunicaciones, ni mucho más que unos doscientos pobladores.
Más tarde Alejandro se interesó por el estudio de las aguas, y en 1988 se vinculó con su tío, quien creó el Instituto de Ciencia Hídrica y a través de él logró muchos otros contactos. Estudió todas las áreas referentes al conocimiento sobre el agua y hoy trabaja en un proyecto que ha atraído a toda la comunidad científica. Se trata de un trabajo, escrito en tres tomos, que ahora está pasando a un soporte informático, y que ha sido declarado de interés nacional. Fue nombrado Director de Medio Ambiente en Lago Puelo, pero no aceptó el cargo porque se peleó con los políticos, seres a quienes desdeña (como casi todos los habitantes de nuestro país).
Ahora está trabajando en la cuenca del Lago Escondido, un lago único en la tierra por la pureza de sus aguas, según las palabras del mismo Barzi. Recibió un barco para navegar sus aguas y el apoyo económico de una fundación privada para continuar con los estudios científicos. "Estoy muy apasionado con esto que estoy haciendo, y vivo en un lugar hermoso, donde hay una laguna", declara feliz al tiempo que muestra las fotografías de su paraíso y las de sus hijas en la laguna.
Retomando lo que debería haber sido el comienzo de la entrevista, hablamos de Contraluz, y ustedes deberían imaginarse a un tipo que se saca el sombrero y realiza un saludo de pleitesía a los otros integrantes del grupo. Digo esto porque los admira profundamente. Destaca la integridad, creatividad e impulso de los demás miembros de la banda, y la genialidad en la composición, autenticidad y conducción de Carlos Barrio: "Con Carlos nos hemos agarrado en discusiones muy fuertes, Yo sé mejor que nadie lo americano que es Carlos Barrio, el sentimiento que Carlos tiene por América, y yo tenía un punto de vista diferente a nivel político. Indios sin prisión ES de Carlos Barrio".
Algún día participará de un nuevo disco de Contraluz y, por ahora, prefiere más tocar junto a ellos en un auditorio que se ubicaría en medio de la laguna, frente a un público fiel y comprensivo. Aprendió mucho del folclore argentino y cuenta que su padre tuvo un programa de música clásica durante 18 años en El Bolsón. Gracias a ese conocimiento paterno, Alejandro puede hoy saborear con sus oídos y su espíritu esas composiciones magistrales.
En determinado momento, no sé cómo llegamos a hablar de la situación peligrosa en que se encuentra el hombre contemporáneo, y de cómo las antiguas civilizaciones valoraban otro tipo de vida, mucho más espiritual y verdaderamente humanizada. Coincidimos en casi todas nuestras ideas, y les aseguro que hay Alejandro Barzi para rato.

Un gran abrazo a los que nunca bajan los brazos frente a la adversidad,
Mariano Nicolás Anastassiades
(Hermano Sol)
El Bolsón, enero de 2002.

*Nota: Este es un texto realizado para el programa radial Cronopios sin fama (domingos a las 13, por FM Palermo -94.7 y www.fmpalermo.com.ar- ), y fue leído al aire en enero de 2002.

Entrevista a Néstor Barrio (Contraluz)

2007-11-26T16:31:00.000-03:00

Contraluz es una banda que podemos categorizar como mítica en el panorama progresivo argentino. En los años '70s editaron un solo álbum, llamado "Americanos" que lamentablemente no se ha reeditado en CD hasta el momento. Recientemente se han reunido, grabando un nuevo álbum luego de 27 años. Están actuando en vivo y proximamente tocarán en Buenos Aires junto a Camel. Para conocer más de su historia y hablar del futuro de la banda entrevistamos a su baterista Néstor Barrio.

Por Humberto Luna

Contanos como fue el origen de la banda y cuales eran los miembros originales.

Los orígenes de Contraluz se remontan aprox. a 1967. Mi hermano Carlos, Freddy Prochnik y yo formamos un conjunto "beat" (como se decía entonces), integrado también por Daniel Goldberg que estudió música en Berkley USA y es productor. Editó una obra muy importante llamada Metropolis junto a Pino Marrone, frecuentemente se sumaban otros pibes de la zona que iban rotando. Bueno, el grupo se llamaba "Lemon" y hacíamos temas en inglés de The Beatles, Bee Ges, etc., y también temas en castellano, especialmente de Gatos y Litto Nebbia a quien admiramos. Era el típico grupo "de garage", como los cientos que había en esa época en la zona de Martínez y San Isidro. Tocábamos en fiestas. En esa época hubo un lugar muy importante para tocar que fue el Cine Teatro Acassuso, en San Isidro. Allí se hacían recitales y los famosos "Contrapuntos Beat", reuniones donde surgía un ganador. Aquí tocaron todos los llamados "grandes" cuando eran pibes. Llamativamente en la historia del rock nacional, no se menciona nunca este lugar. Nos fuimos fogueando, ya que en esa época, subirse a un escenario y tocar para 400 personas no era fácil. Bueno, el punto de inflexión fue cuando conocimos a Alejandro Barzi (el flautista "original" de Contraluz). Empezamos a tocar otro tipo de música y a escuchar otras cosas como Traffic, Ten Years After, Roland Kirk, Dave Clarck Five, Hendrix, Cream, mucho blues y sonidos "progresivos". Entonces tenemos que la formación primera del grupo fue: Carlos Barrio en guitarra, Freddy Prochnik en bajo, Néstor Barrio en batería y Alejandro Barzi en flauta traversa, voz y eventuales guitarras.

¿Como llegan a tocar en el B.A. Rock?

Con esta formación tocamos en BARock I y II. Cuando salimos al escenario en BARock I había algo así como 10.000 personas. Tocamos temas propios y algunos de Jethro Tull, especialmente Bouree. Esa tarde la tribuna se venía abajo, los flacos no lo podían creer (y nosotros tampoco). Fue un grandísimo suceso. Hacía rato que ya no cantábamos en inglés, porque nos parecía ridículo. A BARock llegamos después de una selección a través de cintas y grabaciones. A BARock II fuimos invitados directamente por la revista Pelo y fue impresionante el éxito que tuvimos otra vez. Aquí tocamos una especie de "obra larga" u "ópera", como se solía decir en aquella época. No hicimos ningún cover de nadie.

Debido a la utilización frecuente de la flauta y a algunos pasajes musicales se acusó a la banda de ser imitadores de Jethro Tull. ¿Que pensaban ustedes de esta comparación?

La verdad es que muy poca gente conocía en serio a Jethro, y el hecho de utilizar flauta automáticamente te identificaba con ellos. No voy a negar la influencia de Jethro Tull, ya que los admiramos y al principio tocábamos temas de ellos, pero me parece que fue el público más que nosotros el que asociaba el asunto tan directamente. Además tengo que contarte que tuvimos el privilegio de ir a un recital de Tull en Alemania en 1970, su mejor época, y volvimos enloquecidos. La experiencia fue importante, ya que en Buenos Aires muchos hablaban de rock progresivo, pero muy pocos tenían los discos y casi ninguno había viajado y visto recitales de los grandes, como sí pudimos ver nosotros. Algo parecido pasó en los míticos festivales BARock. La mayoría fue al principio por curiosidad sin entender gran cosa de música de rock, y recién luego se adhirieron al llamado "movimiento" evidentemente muy influenciados por la película Woodstock.

¿Que grupos escuchaban ustedes en aquella época?

Escuchábamos de todo: Beatles, Traffic, John Mayall, Cream, Hendrix, The Who, Blod Sweet & Tears, Jethro Tull, Ten Years After, Santana, Rolling Stones, The Alman Brothers, Frank Zappa y Led Zeppelin. Después aparecieron Yes, Emerson Lake & Palmer, Triumvirat y Pink Floyd,. De los de aquí a Los Gatos, Los Shakers, después Almendra, algo de Vox Dei. Curiosamente Manal no nos gustaba.

En el ’73 editan el LP "Americanos".

El LP Americanos tiene una larga historia, demasiado larga y lejana... Bueno fue gracias a Jorge Alvarez del sello Mandioca, que teníaalgún arreglo con EMI. Hicimos un recital en privado para él solo y se convenció. Un mes antes de empezar se incorporó como cantante Alvaro Cañada y ¡¡¡fue sensacional!!! El disco fue grabado en muy malas condiciones técnicas (bueno al menos eso me parece ahora), bajo la tutela de Billy Bond , el líder de La Pesada del Rock, a quien Alvarez había puesto como una especie de "productor". Curiosamente el disco se vendió muy bien, y el tema "Indios sin Prisión", que salió como un simple junto a "La Sarna del Viento"fue un verdadero hit. Por supuesto no vimos ni un mango porque el contrato era un desastre, como todos los de entonces. Hay quepensar que Americanos se editó en 1973 y grabar un disco en esa época era toda una hazaña.

La tarea compositiva parecía estar bastante repartida a juzgar por los créditos que figuran en el álbum. Contanos como era el proceso compositivo. ¿Realizaban los arreglos en forma grupal?

El compositor principal fue y es mi hermano Carlos . Lo que sí es cierto es que los arreglos se hicieron y se hacen grupalmente durante los ensayos. El que trae un tema lo expone y luego comienza la larga marcha para que salga. Eso implica muchísimo tiempo, cambios y contramarchas constantes. Nuestro sistema siempre fue igual. En cuanto a las letras, eso sí es más variado ya que muchas veces nos repartimos la tarea o buscamos compartirla entre todos.

¿Llegaron a vivir de la música o mantuvieron otra actividad durante aquellos años?

Nunca llegamos a vivir de la música. En los años 70s, en un momento dado vimos que teníamos que decidir qué hacíamos, porque en 1973/74 éramos muy conocidos y la cosa pintaba para volvernos profesionales. Hacíamos un recital por mes a sala llena y bueno... Pero finalmente todos fuimos universitarios y no nos animamos a dejar todo por la música. Esa fue tal vez la razón principal de la desaparición de Contraluz, si lo vemos 30 años después.

¿Ustedes mantenían contacto con otras bandas de la época? Uno tiene la impresión de que Contraluz se mantenía asilado del resto de los grupos.

No estábamos tan aislados como la gente cree. Tuvimos muy buena onda con Edelmiro Molinari y con Luis A. Spinetta de Almendra, aunque no fue una relación demasiado larga. Recuerdo que en esos años el "ambiente" del rock era muy reducido y gregario. El hecho de ser "pibes de San Isidro", no caía muy bien entre los "rockeros". La revista Pelo nos hizo varias notas importantes y siempre nos preguntaban lo mismo: "¿Ustedes están comprometidos con el movimiento? ¿Tienen una actitud realmente progresista y progresiva?” Analizando esas cosas después de 30 años, me da risa… eran solo poses y caballitos de batalla. La revista Pelo lo reconoció públicamente después de un recital que hicimos con Sui Géneris en el Teatro Astral, dijeron en su crítica: "Contraluz fue lo más "progresivo" de la noche. El público no les brindó todo su apoyo, quizás por estar sedientos de un rock más cuadrado".

No se si recuerdo mal, pero ¿Alvaro Cañada se separó de ustedes antes de la disolución del grupo?

Alvaro Cañada nunca se separó de Contraluz. El grupo "desapareció" en su mejor momento. Te recuerdo que Alvaro cantó 3 temas en el recital "de la vuelta" el 11 de noviembre de 2000, con un éxito fenomenal. Hoy en día no forma parte del grupo por propia decisión y también porque lo que hacemos actualmente no es para que Alvaro cante todos los temas.

Ustedes han sufrido prohibiciones.

El tema que fue prohibido por el CONFER en 1974 se llama "Que tu Voz se escuche", que salió como simple en el sello Harvest, subsidiaria de EMI. Para la época, años de la subversión y guerra sucia, tenía una letra explosiva. En realidad decíamos que había que sepultar el fusil y sembrar la esperanza. No se entendió así...

¿Aparte de los temas publicados en su momento tenían más material compuesto en esos años, que no se llego a grabar?

Si hubo algún material que nunca se editó, que estaba destinado al segundo LP. Pero tampoco estaba terminado. Lo único que quedó fue precisamente "Que tu Voz se escuche".

Pero en ese entonces ustedes dejan de tocar.

Dejamos de tocar cuando a mí me agarró la colimba y a los otros les llegó el apriete de estudiar en serio. Alvaro y Freddy siguieron tocando juntos varios años en una muy buena banda para boliches, pero Contraluz desapareció a fines de 1974.

¿Durante estos años ustedes se alejaron por completo de la música? ¿El contacto entre ustedes se mantuvo?

Carlos y yo estuvimos alejados de la música casi 20 años. El único que siguió fue Freddy. Se metió en el conservatorio a estudiar violoncelo y a tocar jazz, cosa que todavía hace regularmente. Aunque parezca mentira, nos alejamos casi completamente unos de los otros y hubo varios años en que ni siquiera nos vimos.

¿Que música escuchas en la actualidad?

En la actualidad escucho de todo. Trato de apreciar lo que es bueno sin sectarismos, ya sea rock, clásico, folklore, música brasileña, latina, lo que sea. No tengo preferencias. Del rock actual me gustan muy pocas cosas.

¿Como fue el tema de la reunión y la grabación de una producción discográfica independiente?

La re-reunión ya fue hace 4 años. Nos dio muchas ganas volver a intentarlo y gracias a la constancia e insistencia de Carlos, volvimos. Llevamos cuatro años de ensayos sin pausa. Obviamente ya nadie se acuerda de nosotros y ni se nos ocurrió tocar la puerta de ninguna compañía discográfica. Empezamos a grabar en el estudio de Marcelo Etchemendi y luego, gracias a la magia y la paciencia de Panchi Quesada se hizo la mezcla con buenos resultados.

En el nuevo álbum Carlos es el encargado de tocar la flauta. ¿Consideraron importante no abandonar este instrumento?

Tratamos de mantener la flauta porque nos gusta y es emblemática. Nunca se nos ocurrió suprimirla. Es cierto que Carlos no la domina, pero está mejorando.

¿Como fue la incorporación del nuevo miembro en teclados?

La incorporación de Jaime le dio más musicalidad y más posibilidades al grupo. Es algo que siempre quisimos hacer, pero nunca encontramos al músico apropiado.

Hablanos sobre los proyectos inmediatos de la banda.

En el 2001 grabaremos un segundo CD. Pensamos tocar lo más seguido posible. En lo inmediato tenemos 2 shows como soportes de Camel el 30 y 31 de marzo en Buenos Aires. En definitiva: CONTRALUZ VOLVIO PARA QUEDARSE.

Actualización de la entrevista con motivo del lanzamiento de "Ramos Generales", Octubre de 2003.

Contraluz editó finalmente su tercer álbum. ¿Que nos podés contar sobre el CD?

La producción del disco fue esforzada y difícil, e integralmente producida por Contraluz. Queríamos un disco sólido y equilibrado. Aplicamos la antigua receta: 1) ensayarlo mil veces y después grabarlo todo junto. Logramos buenos resultados gracias a los técnicos Jorge Cicconi y Juan Stewart que interpretaron lo que buscábamos y pusieron mucho de sí. Encontramos también un estudio de grabación a la medida de nuestras posibilidades económicas, lo que nos permitió extendernos en el tiempo. Masterizamos el disco con Mario Breuer, (el técnico N° 1 del país), y mejoramos notablemente el sonido de la mezcla final, que venía del estudio. Buscamos un arte de tapa elaborado, que tuviese un concepto de diseño puro, y después de innumerables revisiones y proyectos, el Tano de Palermo acertó, creando un diseño coherente con lo el disco sugiere.
Nunca tardamos tanto en grabar un disco como esta vez. Nos tomamamos todo el tiempo necesario y tratamos de aprovechar al máximo la experiencia acumulada en tantos años (nunca es suficiente, por cierto). El concepto del disco se refleja en su título: "Ramos Generales". Hay de todo, fue premeditadamente abierto, todo lo contrario a los "trabajos conceptuales", en donde hay que seguir un argumento.

La reaparición de la banda con una propuesta orientada a lo sinfónico conmocionó a muchos de los seguidores. En este cd nuevamente dan un giro a su música con la fusión de otros ritmos, incorporación de baladas, etc. ¿Hay una decisión previa para estos cambios estéticos o simplemente así les surge la música?

No hubo ninguna decisión previa. Hubo una voluntad de mostrar lo que estábamos haciendo ahora, que es fruto de nuestra evolución y maduración como músicos. No abandonamos las raices, no nos cerramos a nada. Las cosas no "surgen" espontáneamente, sino cuando se preparan las condiciones para que florezcan. En Ramos Generales, las estructuras del rock siguen vigentes, las raíces folklóricas están allí, como desde la primera época del grupo. Incorporamos matices de música ciudadana e insistimos con temas sinfónicos como Llevo...a mi padre y Vida en el desierto.
De aquí en más, todo sigue abierto. Tal vez profundicemos aspectos de la fusión, tal vez volvamos al sinfónico (estamos ensayando un tema nuevo dedicado a Beethoven), tal vez hagamos un nuevo disco rockero furioso, o tal vez uno completamente acústico. Lo único seguro es que seguiremos hacia adelante, por el camino de la experimentación, por la senda de lo riesgoso. No nos interesa encontrar un lugar seguro y confortable donde estacionar.

¿Cómo se distribuye o vende el cd? ¿Existe la posibilidad de comprarlo desde el interior de país o desde el exterior?

Los grupos independientes, están completamente desprotegidos porque no tienen estructura para administrar sus cosas. Me da la impresión que nuestros discos circulan y se venden regularmente en Europa y en USA, mucho más que en la Argentina. “Americanos” de 1973, se ofrece en una edición completamente pirata, con una curiosa leyenda que dice “bajo licencia EMI ”. Con El Pasaje (que fue el disco anterior), tuvimos una muy mala experiencia, al confiar casi la mitad de la edición a un distribuidor que literalmente nos estafó y luego se rajó del país. Con Ramos Generales vamos a tratar de manejar este asunto en etapas. Por ahora no tenemos ningún contrato firmado. Las primeras repercusiones han sido positivas. Tal vez logremos vender esta primera edición artesanalmente y después editemos otra, para la distribución. Hay también algunas disquerías amigas, como Discover, o El Viajero Inmóvil que son gente seria, y que están vendiendo muy bién este nuevo disco a un público especializado. También pueden escribir a nuestro e-mail : contraluz@ehome.com.ar y se lo enviamos por correo contra reembolso. Veremos como seguimos. Una sola cosa es segura: a este producto lo vamos a defender obstinadamente.

Ustedes han transitado por dos épocas absolutamente diferentes. ¿Cuales son las principales diferencias para el desarrollo de una banda de rock?

Abismales diferencias...separan una y otra época. Si tengo que mencionar las más importantes, diría que en a principios de los 70s el público argentino de rock, evolucionaba y se formaba al mismo tiempo que los músicos. Los discos de Zeppelin, The Who, Santana, Emerson Lake & Palmer, salían al mismo tiempo que los de Almendra, Arco Iris y Manal. Grabar un disco era una hazaña, y era el resultado de una trayectoria. Nosotros grabamos "Americanos" con EMI en 1973, después de actuar con gran éxito en B.A. Rock 1 (1970) y 2 (1971), de hacer recitales con Almendra, Vox Dei, Sui Géneris, León Gieco y muchos otros.
Actualmente, el motor del desarrollo musical pasa por otro lado. A medida que una banda empieza a sonar, se comienza a grabar semi-profesionalmente, y se va acumulando un archivo que se va depurando hasta llegar al disco definitivo. Tienen todas las posibilidaddes técnicas a su alcance y facilidades de comunicación como nunca las hubo. Aunque no soy un especialista, observo que las principales bandas del rock locales (salvo Los Redondos, Divididos y La Renga), ya no son de rock y han creado un repertorio basándose en una especie de receta cortada con la misma tijera: un poco de regae con música pop, un poco de candombe, un toque de salsa, letras irónicas y chistosas, climas rockeros livianitos y sobre todo, mucha fusión desordenada. En mi modesta opinión, no se trata de un desarrollo sino de adecuación. El movimiento de rock como lo entendimos nosotros no existe, se murió a principios de los 80s. Sobreviven algunos compañeros de ruta como los viejos bluseros, a quienes no les interesa moverse fuera sus cuevas y permanecen aferrados a esa corriente.

Tengo la impresión de que en los 70s, si bien las cosas eran difíciles, había una mínima estructura para que las bandas se apoyaran. Los sellos discográficos publicaban este tipo de música, había publicaciones como la Pelo con sus virtudes y defectos, etc. Hoy no existen estructuras de este tipo…o existen y no son accesibles para una banda independiente?

Yo lo viví de manera opuesta. La llegada del rock nacional a las bateas de las disquerías fue un logro extraordinario, gracias a tipos como Litto Nebbia, Moris, el flaco Spinetta, Javier Martinez y Ricardo Soulé, entre otros. En la Argentina se inventó el rock en español.
El concepto de bandas independientes antes no existía. La llamada independencia actual no es otra cosa que el manejo de los medios de registro (grabación) y las posibilidades de comunicación-difusión vía Internet. Las posibilidades técnicas en cuanto a instrumentos y sistemas de sonido, son muy amplias ahora, si tenés plata. Los chicos nacieron con la posibilidad de comprar o contratar la logística. Antes nos prestábamos los equipos entre las bandas. Hoy hay empresas que organizan los eventos y podés comprar todo el paquete (sonido estereofónico, luces, difusión, etc). El rubro de las publicaciones "comprometidas con el movimiento", como Pelo, se acabó porque ya no existe el movimiento. Es lógico, antes sonaban 50 bandas y había dos recitales por semana y era todo a pulmón. Hoy tenemos miles de grupos y cientos de eventos simultáneos, que convocan a miles de jóvenes. Gradualmente, el negocio de la música está dejando de ser la venta de discos y pasó a ser el mega espectáculo. Comparar la revista Pelo con la Rolling Stone, lo dice todo.

En tiempos en los que la "imagen" y la "actitud" parecen haber cobrado más importancia que la propuesta artística, ¿crees que una banda cuyos miembros han superado los 40 puede ser atractiva para los jóvenes?

No, para nada....no somos atractivos para los jóvenes. Algunos nos pueden escuchar con respeto, aunque tomando distancia. Y bueno....estamos todos cumpliendo 50 años y eso crea una especie de frontera o límite. Charly García es probablemente el único que tiene vigencia entre los jóvenes; hoy en día más que nada por su "actitud" . Es un artista enorme porque levanta a los pibes y nos conmueve a nosotros también. Un tipo que escribió cosas como: "Cuando me empiece a quedar solo" o "Cerca de la revolución", además de actitud, tiene un mérito sobresaliente.

En el show de presentación del nuevo álbum el publico respondió muy positivamente frente a los nuevos temas. Sin embargo, la reacción frente a los temas de los 70s fue desbordante. Tengo curiosidad por saber cual es tu relación con estos temas… algunos artistas suelen tomar su obra del pasado como un lastre. ¿Cuál es tu visión o la de la banda?

Mi relación con esos temas es vital y apasionada. Los toco con gran convicción y siento que son parte de mi piel. El público lo percibe y se expresa aprobando calurosamente. Como no podría ser de otra forma, toda la banda está convencida de que hay que seguir interpretando ese repertorio, porque es una forma de unir el pasado con el presente, pero también, porque disfrutamos tocándolo. Más que un lastre es algo que mostramos con orgullo. Además, a esos temas les hemos hecho nuevos arreglos y eso ayuda bastante.
Ahora bien, hay que ser realista: lo que Contraluz hizo en los 70s, no tiene ninguna vigencia y es prácticamente desconocido, salvo para un pequeño grupo de nostálgicos. Pero, si hoy en día empiezan a promocionar fuerte por la radio un tema como Aconcagua, y lo tocamos en un recital dos meses después, es probable que la gente también lo va aplaudir a rabiar porque lo tiene incorporado en su memoria.

¿Tienen planificado tocar en vivo con frecuencia? ¿Que proyectos tienen en el futuro inmediato?

Ojalá podamos salir a tocar más seguido. Sin embargo tropezamos con algunas dificultades propias del momento: los teatros medianos están explotando al máximo sus posibilidades y programan eventos y obras en cronogramas muy apretados. Te dan la sala a las 22 hs. Casi sin tiempo para armar y probar. En ese esquema, el recital puede comenzar a las 00.00 hs., y es demasiado tarde. Los lugares chicos no nos sirven y los otros son inadecuados por ser demasiado grandes y carísimos.
Contraluz se ha vuelto una banda muy compleja en lo técnico y cuesta mucha plata subirla a un escenario para que suene como debe ser. Cada vez que tocamos hay que organizar una compleja maniobra de técnicos, plomos, transporte y comunicaciones que es muy costosa para un grupo independiente.
El proyecto inmediato es tratar de hacer conocer el disco con nuestros limitados recursos. Las presentaciones dependerán de cómo resolvamos el tema logístico.

Sellos

2007-11-26T15:53:00.000-03:00

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Notas

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Reportajes

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Rock Argentino

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Publicaciones

2007-11-26T15:15:00.000-03:00

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El Rock, su historia, autores y estilos.

2007-11-26T15:12:00.000-03:00

Fabio Salas Zuñiga

Hace poco comentábamos el magnifico libro de Fabio Salas Zúñiga sobre el rock chileno (La Primavera Terrestre, Cartografías del Rock Chileno y la Nueva Canción Chilena ). Fabio a pesar de su juventud tiene ya una larga trayectoria dedicándose a estudiar el fenómeno del rock. Paulatinamente iremos comentando las obras surgidas de su investigación. Hoy le toca el turno a este trabajo en el que se analizan las diferentes vertientes de ese conglomerado que conocemos en forma genérica como rock: desde el Rhythm & Blues hasta el Worl Beat, pasando por la psicodelia, el rock progresivo, el glam o la new wave y abarcando todos los estilos que uno pueda recordar, ubicándolos en su contexto histórico y social, mencionando sus principales exponentes y fundamentales obras. Con el estilo claro y ameno de La Primavera Terrestre y con su capacidad de esquematizar didácticamente sin forcejear con los conceptos, “El Rock, su historia, autores y estilos” es una obra recomendable para introducirse en el universo de los diferentes modos del rock o para completar los espacios vacíos que suelen tener quienes se orientan solo a algunos de estos estilos.

Origen: Chile, 2000
Idioma: Castellano
187 págs.
Ed: Editorial Universidad de Santiago

La Primavera Terrestre

2007-11-26T15:10:00.000-03:00

Fabio Salas Zuñiga

Fabio Salas Zúñiga no es un improvisado en estas temáticas. Tiene entre sus antecedentes, la autoría de otros textos sobre rock: “El Grito del Amor, Una actualizada historia temática del rock” en el que desarrolla la primera historia del rock desde una visión chilena, publicado en 1987 y reeditado en 1998. “El Rock, su Historia, Autores y Estilos”, una obra didáctica en la que aborda las diferentes vertientes del rock, publicado en el 2000 y “Utopía, Antología Lírica del Rock Chileno” de 1993, embrionario antecedente del libro que ahora comentamos. Cada uno de estos textos merece un futuro comentario en este sitio. Fabio es además docente de la facultad de Filosofía y Humanidades de la Universidad de Chile en las áreas Rock y Contracultura, conductor de radio, poeta, y por supuesto cosas un amante incondicional de la buena música. Con estos preclaros antecedentes no podía esperarse otra cosa de “La Primavera Terrestre, Cartografías del Rock Chileno y la Nueva Canción Chilena”. Un tratado en el que la música se analiza en el contexto histórico, político, social y cultural con un abordaje en el que se equilibra la pasión y la objetividad. El lector no debe esperarse un simple catalogo para coleccionistas, la labor de Fabio va mucho más allá. Es un trabajo de investigación que va hasta las raíces, minucioso, con un relato cronológico de claridad pedagógica, un acabado conocimiento de los aspectos musicales y una prosa amena. Evitando un clásico error de este tipo de obra en ningún momento el autor cae en el endiosamiento de los protagonistas, sino que cada uno de los personajes involucrados y movimientos musicales es puesto en su correcto lugar, exponiendo virtudes y defectos. He disfrutado cada página de este libro, aprendiendo de su contenido. La obra se completa con una discografía selectiva y una regocijante iconografía. Este año hemos tenido la fortuna de conocer el libro de Fernando Pélaez, “De las Cuevas al Solís” sobre la historia del rock uruguayo, y ahora se suma esta excelente obra de Fabio Salas Zúñiga que regocija a los amantes del rock sudamericano. Espero que estos ejemplos sean imitados.

cuartopropio@cuartopropio.cl

Origen: Chile, 2003
Idioma: Castellano
306 págs.
Ed: Editorial Cuarto Propio

Close to the Edge, The Story of Yes

2007-11-26T15:09:00.000-03:00

Chris Welch

La obra fue escrita por Chris Welch periodista que trabajó en publicaciones como Melody Maker y fue editor de otras como Metal Hammer y Rock World. También autor de biografías de otras bandas y músicos ente los que se puede enumerar a Jimmi Hendrix, Led Zeppelin, The Who, Pink Floyd, Black Sabbath, Genesis y Peter Gabriel. En los últimos 30 años ha realizado múltiples entrevistas a los miembros de la banda e incluso ha estado de gira junto a ellos. Detallados comentarios sobre la formación de Yes, la convivencia entre los miembros, la realización de los álbumes, los cambios de integrantes y sus datos biográficos. La obra se complemente con un archivo fotográfico y apéndices con la actividad actual de quienes pasaron por la agrupación, ediciones discográficas y reediciones en cd. Hay alguna información confusa o contradictoria con respecto a las fechas de edición de los álbumes. Más allá del exhaustivo análisis que el autor demuestra me queda la sospecha de que tal vez por admiración o fanatismo se termina mostrando una imagen casi acartonada de Yes. Es sin embargo, una cita obligada al momento de investigar el historial de una de las bandas más populares del progresivo.

Origen: UK 1999
Idioma: Inglés
280 págs.
Ed: Omnibus Press

25 años de Rock Argentino

2007-11-26T15:07:00.000-03:00

Miguel Grinberg

Con este texto publicado en 1992 Miguel Grinberg de alguna manera complementa esa obra imprescindible al revisar la historia del rock argentino llamada "Como Vino la Mano". Grinberg revisa los antecedentes y orígenes de la música joven vernácula, relata los contextos sociopolíticos en los que se genera este movimiento y por último, ya entrando en el objeto de la obra analiza al rock agrupando a sus exponentes según la época y las coincidencias estéticas. Por ultimo se dedican capítulos a las bandas de mayor trascendencia. Los Gatos, Manal, Almendra, Invisible, Alas, Crucis, Nebbia Trio, MIA, Pescado, etc tienen su apartado en el libro. Los textos se complementan con muy buena documentación fotográfica. Como en todo el material escrito por el autor el conocimiento sobre la temática de la que se está hablando se mancomuna con la honestidad intelectual.

Origen: Argentina 1992
Idioma: Castellano
Ed: Promundo

Corazones en Llamas

2007-11-26T15:05:00.000-03:00

Laura Ramos y Cynthia Lejbowicz

Algunos sectores se refieren a los 80s como una de las etapas más ricas del rock argentino. Otros pensamos que en esa época en realidad se puso proa hacia la banalidad y que con escasas y honrosas excepciones poco ha quedado de buena música de esa década. "Corazones en Llamas, Historias del Rock Argentino en los 80" intenta rescatar este periodo. No debe esperarse un análisis de los contenidos musicales, de los marcos culturales o de los cambios sociales sobre los que se asentó el rock. Simplemente se trata de una serie de comentarios anecdóticos, muchas veces coloridos pero generalmente bastante intrascendentes organizados en forma cronológica. Si uno intentara reivindicar la música de este periodo no puede decirse que este texto sea de gran ayuda para lograrlo. A favor de las autoras debe decirse que además de dejar ver que conocen bien la escena, aparentemente no fue la intención hacer lo que yo estoy reclamando, pero confieso que no puedo dejar de verlo como una oportunidad perdida.

Origen: Argentina 1991
Idioma: Castellano
171 págs.
Ed: Clarín

Spinetta García Páez, Transgresores

2007-11-26T15:04:00.000-03:00

Miguel Angel Dente

Lo primero que llamó mi atención fue el título del libro “Spinetta - García - Páez, Transgresores” ¿Por qué no está allí Litto Nebbia quien seguramente es uno de los músicos del rock argentino que más fronteras ha derrivado? Más allá de esta diferencia puedo decir que el libro de Dente está realizado a conciencia, consultando numerosas fuentes, recogiendo abundantes datos biográficos. Cuenta con un pormenorizado análisis de las prolíficas discografías de estos músicos incluyendo comentarios obre cada álbum publicado, anecdotarios, comentarios de otros músicos, discografía de artistas relacionados y material fotográfico. La lectura del libro no es lineal, sino matizada con numerosos apuntes al margen y está dividida por temas, no como podría esperarse, con un capitulo destinado a cada uno de los músicos. Puede reprocharse tal vez un aparente exceso de benevolencia en los comentarios de los álbumes, seguramente debida a la pasión que despiertan estos autores en Dente. Sin embargo esto no empaña el esfuerzo evidente en la realización de este libro.

Origen: Argentina 2000
Idioma: Castellano
167 págs.
Ed: Distal

La Década Rebelde

2007-11-26T15:03:00.000-03:00

Sergio Pujol

La Década Rebelde, Los años 60 en la Argentina. Pocas veces comentamos libros que no tengan como tema específico la música o los músicos. Sin embargo en este caso particular creo necesario hacer una referencia a esta obra. La conocer el terreno sobre el que se genera un determinado movimiento musical es necesario conocer la idiosincrasia de la comunidad, y el entorno social e histórico en el que se enmarca. El libro de Pujol revisa los aspectos culturales desde lo popular y hasta lo erudito de la década del sesenta. Si bien no se trata de una obra exhaustiva (y esto está explícitamente expresado por el autor), puede decirse que quien quiera tener una visión general de los cambios culturales y de las costumbres argentinas de la década del 60 encontrará en este libro una obra estimulante. La lectura minuciosa puede encontrar algunas leves falencias o deslices que no dañan el concepto general ni la calidad del trabajo. Los medios periodísticos, la televisión, el teatro, el cine y por supuesto la música (Pujol es un reconocido critico musical, además de historiador) son abordados reflexivamente por la visión personal del autor. Interesantes citas bibliográficas y un conveniente índice onomástico cierran un libro que ofrecerá un interesante pantallazo de la cultura argentina en la fascinante década del 60.

Origen: Argentina 2002
Idioma: Castellano
373 págs.
Ed: Emecé