Humberto Luna
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¿Cómo fueron tus estudios musicales? A los 8 años estudie guitarra y lectura clásica por un par de años, fue una experiencia frustrante, a ningún chico de esa edad con hambre Beatle le vendes la idea de que ese tipo de estudio es el camino a seguir. A los12 tuve mi primer guitarra eléctrica y sentí que al menos estaba en territorio más cercano, tome algunas pocas clases mas pero preferí seguir mi búsqueda solo copiando lo que podía de los discos y recitales en vivo. En esa época, en Buenos Aires, no era fácil encontrar el tipo de instrucción que yo buscaba como acordes y ritmos Beatles, Stones y solos de Hendrix, Winter y algunos acordes de Wes Montgomery.
¿Esas eran tus influencias en aquella época? Mis influencias más fuertes hasta ese momento eran muy parecidas a las
de muchos músicos de mi generación en todo el mundo, es notable, creo que tuvimos la suerte de ser una de las primeras en la historia de la humanidad que a través del nacimiento de la industria discográfica a nivel masivo fueron expuestas a una gran variedad de estilos, inclusive aquí en Buenos Aires el que buscaba podía encontrar, además de The Beatles y la música del festival Woodstock, a guitarristas de blues como BB King o Peter Greene, algún disco de Wes Montgomery o Joe Pass, algo de Bill Evans, Coltrane, ragas de Ravi Shankar, bastante bossa nova, Frank Zappa, Bob Dylan y sí, un poquito mas tarde, tambien Yes, Crimson o Mahavishnu. En mi caso, también sumale altas dosis de Almendra, Manal y algunos de los maravillosos discos y recitales de esos primeros años tan mágicos de la música rockera aquí en Argentina.
Hablame por favor sobre los orígenes de Crucis y de la participación de José Luis Fernández. Crucis ya existía con una formación en la que José Luis tocaba el bajo y Gustavo Montesano la guitarra. Porque se va Jose Luis francamente no lo recuerdo, éramos niños de 15 o 16 años, nos peleábamos y volvíamos a amigar todo el tiempo. Cuando ellos se desbandaron entramos Anibal Kerpel y yo, Gustavo paso a tocar el bajo y mas o menos al año entro Gonzalo Farrugia, lo cual no es un detalle menor, Gonzalo trajo "mucho a la mesa", no solo en términos de energía y virtuosismo como todos saben pero también desde el punto de vista creativo con ideas muy frescas y una manera particular de oír y orquestar la música en la batería. También, por supuesto, era un gran espíritu.¿Es cierta esa anécdota que se comenta sobre que Charly García y Jorge Alvarez conocieron casualmente al grupo y ahí mismo decidieron patrocinarlos?
Yo conocía un poco a Charly desde hacia ya varios años, éramos vecinos y Sui Generis en el 71 estaba tocando con diferentes formaciones en las trasnoches del teatro Diagonal en Mar del Plata. Con Crucis, a fines del 75, veníamos organizando muchos recitales pequeños que iban desde auditorios en escuelas hasta teatros chicos más importantes como el Auditorio Kraft, Olimpia, Sala Planeta, etc. Al comprobar que crecía nuestro grupo de fans nos jugarnos, con ayuda de nuestros padres y amigos, a organizar un recital más grande en el Teatro Astral, en el que logramos llenar un poco mas de la mitad de la sala. Charly, Jorge y el artista Juan Gatti estaban en la audiencia, aparentemente pasaban caminando por el teatro de casualidad y decidieron entrar por pura curiosidad. Al final del recital se acercaron a felicitarnos con un genuino entusiasmo y Jorge expresó su interés en que trabajemos juntos. De varias charlas y reuniones surgió su oferta de conseguirnos un contrato discográfico y algunas actuaciones de mas alto perfil que expusieran al grupo ante mucha más gente. Charly, con una energía muy positiva, comenzó a venir muy seguido a nuestros ensayos y actuaciones (de hecho a su grupo, La Maquina de hacer Pájaros, lo empezó a formar poco a poco en nuestra sala de ensayo) y ofreció sus servicios como productor, algo realmente nuevo para el, su rol era mas que nada como un apoyo, era nuestra primera experiencia en un estudio de esas características y sentimos que seria positivo tener un interlocutor/complice entre el grupo, el estudio, el técnico de grabación, etc.
Uno tiene la impresión de que la evolución de Crucis fue meteórica, que lograron rápidamente un primer álbum y que casi de entrada tocaron en el Luna Park ¿es tan así? No realmente, llevábamos un par de años tocando y organizando nuestros propios conciertos en todo tipo de lugares. A través de Jorge pudimos volver a tocar en el Astral un par de meses mas tarde y poco después participamos de un mega-evento llamado Moto-Rock, del que también participaban grupos conocidos en ese momento. El éxito y la ovación ante tantas miles de personas que no conocía nuestra música fue tan enorme que abrió muchas puertas y facilito la posibilidad de conseguir sponsors y nuevas oportunidades. Me siento muy afortunado de haber tenido el privilegio de que nuestra música fuera apoyada por tanto publico. Creo que los músicos, en general, están familiarizados con el trabajo lento que hay detrás de cualquier grupo como el nuestro, pero la gente y particularmente los críticos ignoran que generar un output musical como el de Crucis es extremadamente difícil, no hay nada meteórico en ese proceso, aquí estamos hablando de una inversión de tiempo y esfuerzo de no menos de 30 o 40 horas por semana durante 2 y 3 años exclusivamente para este grupo, sin contar los años puestos en desarrollarte tocando, aprendiendo, escuchando, etc, es como vivir solo para eso. La oportunidad de grabar o de acceder a publicidad o producción tanto para conciertos como para grabar es otro asunto completamente distinto, es decir, un manager y/o compañía grabadora se entusiasman, se ponen de acuerdo y "bam!", en pocos meses existís para un montón de gente al mismo tiempo.
¿Sintieron en algún momento el ataque o discriminación de sectores de la prensa o del publico por el hecho de que Crucis, junto a otras bandas, representaba una vertiente de mayor elaboración y complejidad, que la que predominaba hasta el momento? Durante la época en que tocábamos y grabábamos no podría decir que hubo discriminación. Obviamente siempre hay algún sector de la prensa para el cual vivís rindiendo examen, pero creo el grupo era tan bueno para la época que no les quedaba otra que mantener la critica al mínimo. Aceptemos que el nuestro es un país bastante totalitario y de gettos, River o Boca, ultra-izquierda o ultra-derecha, etc. y si no perteneces al club o al grupo de gente de turno podes ser castigado con ostracismo. Cuando a fines de los 80 vine a pasar una temporada extensa a Buenos Aires encontré a un medio y una prensa deprimentes, sentí que el nombre del grupo para muchos de los nuevos músicos era como si nunca hubiese existido, lo cual nunca sentí de parte del publico cuando tuve la posibilidad de entrar en contacto con ellos, y encontré al medio en general mucho más pretencioso y musicalmente ignorante que nunca. Ni hablar de la música que se hacía, sin ninguna duda la mas fría, sin alma, y pobre que escuche en mi vida hasta ese momento, muy basada en formulas e imagen y "actitud" sin sustancia, creo que ya pasaron suficientes años como para confirmarlo.
Lo más irritante era escuchar que la misma gente que acusaba al rock progresivo de pretencioso (mas allá de que pueda haber algo de verdad y sea discutible) por la complejidad de su música, sus puestas en escena o lo que fuere reivindicaba en cambio a grupos, cantantes y compositores de décima categoría como máximo, pésimos cantantes que escribían aun peores letras y que en sus reportajes citaban permanentemente a artistas de genio en serio como Borges, Fellini, Bukowski, etc. como sus pares o sus influencias cuando los pobrecitos apenas podían tocar, cantar o escribir su tecno-twist, punk, o balada tipo española, etc, siendo tomados muy en serio no solo por ellos mismos sino también por la prensa, "la inteligentzia", "la patrulla de la simpleza". Los reaccionarios y represores de la musicalidad creen en poder evaluar la música en términos de simpleza o complejidad, ¡cuan patético se puede ser! Siento que esa época fue el principio del fin de lo denominado "rock" como forma de arte.
¿Por que se fueron? Bueno, hubieron muchas razones, desde mas chicos todos teníamos el sueño de viajar a donde ocurrían los eventos mas interesantes desde el punto de vista musical y también las ganas de vivir en libertad, escapar de la mentalidad represora de Argentina, la policía que te pedía documentos a cada rato y te llevaba preso una vez por semana por tener el pelo largo. Con Crucis ya teníamos planeado emigrar por un tiempo a USA en búsqueda de nuevas oportunidades para tocar para otros públicos, grabar en buenos estudios, en fin, crecer, en esa época las distancias eran aun mayores que hoy en día y las diferencias técnicas para grabar o montar un concierto eran como si viajaras a otro planeta, este es un aspecto de la vida de los músicos en Argentina que creo es bastante desconocido por la mayoría del publico, pero la realidad es que un buen grupo en nuestro país encuentra su techo muy rápido una vez que realiza varias giras por las pocas ciudades que te contratan en el interior del país y con suerte algún país limítrofe. El hecho de que geográficamente estamos tan lejos de los centros principales donde se concentran las actividades más grandes de giras y grabaciones como lo son USA y Europa, hacen muy difícil proyectarse internacionalmente sin un gran esfuerzo personal que muchas veces incluye mudarse de país. Así, entre la dictadura militar del 76 y la separación del grupo a fines del 77 solo quedaba irse.
¿Llegaron a tocar como Crucis en EEUU? No, ya nos habíamos separado.
¿Fue USA un buen lugar para emigrar, siendo que allí la vertiente progresiva del rock nunca prendió demasiado o tenían pensado un cambio de estilo, tal vez inclinado hacia la fusión? El rock progresivo como carrera nunca fue el centro de mi vida, solo un vehículo maravilloso con el cual expresarme durante esa época. California no estaba nada mal, un lugar muy libre desde todo punto de vista, con mucho sol y en ese momento era el territorio de Weather Report, Joni Mitchell, Steely Dan, Frank Zappa, Ry Cooder y muchos otros artistas haciendo trabajos muy estimulantes en ese momento.
¿Como fue la separación definitiva? La fuerte relación que desarrollamos a través de los años se fue deteriorando. Esa era la base que sostenía todo, antes inclusive de tocar una sola nota. A mediados del 77 comenzamos a sentir diferencias cada vez más grandes en la dirección musical a seguir, mas específicamente Gustavo estaba interesado en una carrera solista mas bien orientada al pop, aunque su álbum solista, "Homenaje", contiene mucho material que fue trabajado en plena época de Crucis con toda la banda pero sus trabajos posteriores en Argentina y en España reflejan claramente esa diferencia tan grande en sus metas. También el éxito masivo trajo muchos de los problemas típicos de desconfianza en el manejo de el dinero de los conciertos, los contratos que se firmaban, etc.. Ese tipo de fricciones e inseguridades se pueden arreglar cuando los grupos sostienen un interés en común, ya sea en lo musical o en lo monetario (lo cual nunca podría haber sido nuestro caso, ya que el rock en ese momento todavía no era un gran negocio) Sinceramente no recuerdo los detalles, puede ser que me equivoque, pero creo que en el 77 Gustavo se fue alejando a nivel personal, de a poco dejo de asistir a nuestros ensayos y por su cuenta comenzó a planear su partida a New York. Algunos meses mas tarde nos encontramos en San Pablo para comenzar una exitosa gira por Brasil y al finalizarla en Buenos Aires ya no nos volvimos a ver, fue todo muy raro y confuso, él se instala en NewYork y a los pocos meses Aníbal y yo viajamos a Los Angeles .
¿Cómo es que en un momento de tu vida, en el que los medios, las encuestas, y gran parte del publico te consideraba el mejor guitarrista de Argentina, siendo muy joven, optás por darle un vuelco a tu vida, instalarte en otro país y comenzar otra vez? Nunca me tome muy en serio lo que pudieran decir los medios y encuestas locales, en general ya en aquella época me guiaba por mis oídos y mi intuición y no me cabía ninguna duda de que aunque sentía que estaba haciendo un buen trabajo, hasta ese momento también estaba muy lejos de alcanzar mis metas.
¿Cuales son las mayores diferencias que encontraste en lo musical? Me refiero a todo lo que implica la actividad de un músico, posibilidades de vivir de la música, lugares para tocar. Y también a lo que hace a la formación, estudios, etc.
Existe una diferencia abismal entre las posibilidades que potencialmente ofrecen para un músico ciudades como Los Angeles, San Francisco, New York, Nashville o Londres y el resto del mundo. Esto se da por una combinación de factores que incluyen, entre otras cosas, el tamaño de la industria de la música y la cantidad increíble de talento de todos lados del mundo que se concentra en ellas. Es muy difícil que en estas ciudades, si te lo proponés, no encuentres lo que buscas, no importa cuan especial. Hay sellos discográficos, estudios, grupos, músicos y lugares para tocar en todos los estilos imaginables, mucha producción de películas, televisión, comedias musicales, etc.. También, por razones demográficas, es donde están los circuitos que te permiten hacer mas giras sea cual fuere el estilo de música que tocás. Ahora, mas allá de estos factores, vivir de la música no es fácil en ningún lado del mundo, no importa cuan bueno creas o te digan que sos.
Con respecto a la formación la diferencia es abismal, y no me refiero a la educación musical formal necesariamente, ni a la creatividad, sino más bien a la formación que se obtiene por estar expuesto a diferentes entornos musicales en un medio muy competitivo y con un estándar de excelencia muy alto, es como ir a "toda otra escuela". Desde este punto de vista, lo que a mí mas me impacto al llegar a Los Angeles con mis 20 años fue la habilidad que muchos músicos estadounidenses tienen para crear en el momento. Cuando hablo de crear en el momento, no me refiero a un estilo de improvisación, o música de vanguardia, ni nada necesariamente complejo, me refiero a la habilidad de interactuar con otros músicos y crear una buena parte en entornos musicales diferentes, útil para la situación, con buen gusto, musicalidad y la conciencia de que cuando un músico te llama para tocar en una actuación, un estudio o un ensayo ese artista espera como mínimo un aporte creativo adecuado, sólido y con un feeling general que va mucho más lejos que ejecutar la estructura del tema correctamente. Otro aspecto que encontré muy evolucionado es lo desarrollada que tienen allí los músicos la habilidad de escuchar a los otros mientras tocan y reaccionar con el swing adecuado, lo cual creo que es fundamental para tocar música y no es nada fácil de hacer. Al principio me asombro también el orgullo y amor propio de los músicos por el resultado de su trabajo, es muy positivo. Desde el punto de vista mas específicamente técnico, hay definitivamente un énfasis muy marcado en elementos importantes como el sentido de ritmo sólido, el sonido, las dinámicas, la consistencia, la precisión y el fraseo.
La primera obra que hacés luego de alejarte de Crucis es aquél álbum predominantemente acústico junto a Daniel Goldberg. Es un cambio muy notorio con respecto a los que acá conocíamos tu obra. ¿Este disco es representativo de tus cambios y evoluciones musicales en los 8 años que habían pasado desde Los Delirios del Mariscal o nos perdimos algo en el medio?"Metropolis" es un hermoso documento de una de las tantas facetas musicales que estaba explorando en ese momento. El proyecto surgió espontáneamente de compartir tardes enteras tocando guitarras acústicas con Daniel Goldberg en Los Angeles entre fines de los 70´s y principios de los 80´s y deleitándonos escuchando la magia y el vuelo creativo de mucha música acústica maravillosa de aquella época como la del grupo "Oregon", el apasionante grupo de indo-fusion de John Mc Laughling, "Shakti", el disco "New Chautauqua" de Pat Metheny, "Characters" de John Abercrombie y tantos otros. Toda esta música contiene cierta sensibilidad acústica que puedo asociar directa o indirectamente a mucha de la música que creci escuchando hasta ese momento, como por ejemplo la parte mas folk de los Beatles, el sonido de David Crosby, la musica de la India, jazz, bossa nova y también el nacimiento de un sonido "ambient", meditativo vía Brian Eno y el sello ECM de Manfred Eicher. ¡Wow, que mezcla estimulante de influencias! Ese hermoso disco lo grabamos en los estudios A & M en Los Angeles junto a Casey Scheurrell en tablas, Paulinho Da Costa en percusión, Abraham Laboriel y Alphonso Johnson en bajo, Joe Farrel en saxo soprano y Gustavo Santaolalla en charango entre otros. Se edito en USA a través de un pequeño sello ecléctico de San Francisco, antes de que el término World Music existiera y sorprendentemente llegó a estar pre-nominado para un Grammy en la categoría "Jazz" a mediados de los 80. Hay otros trabajos que fueron muy importantes en mi carrera por diferentes razones entre los que se encuentra la sesión junto al maravilloso guitarrista Robben Ford para el disco "Ubale" de Gabriela a principios de los 80´, la música que toque y compuse para la serie de televisión estadounidense, American Chronicles, producida por David Lynch & Mark Frost para el canal Fox junto al bajista Jimmy Haslip (Yellowjackets) y el baterista Casey Scheurrell, también mis sesiones para Dianne Reeves junto a John Pattituci y Kenny Kirkland y mis trabajos junto al extraordinario pianista y compositor Eduardo Del Barrio para su CD "Free Play" en A&M records a principios de los 90. Estoy muy orgulloso de mi trabajo acustico con Eduardo, fue muy educativo y me hizo crecer muchísimo.
Que pasó en esos 8 años. ¿Retomaste tus estudios musicales?
No olvidemos que al llegar a USA, a pesar de haber transitado todo lo de Crucis, en lo personal yo solo tenia 20 años, la edad en que la mayoría de la gente esta tratando de descubrir quien es, hacia donde va, que estudia, adonde y con quien. A partir del 77 atravesé unos 10 años de una fase de profunda investigación, entrega y dedicación al arte de improvisar jazz. Eso incluia practicar mi instrumento 6 horas por día, salir a ver y a escuchar, tomar clases con los masters absolutos del instrumento como Joe Diorio y Ted Greene y leer y aprender todo lo que podía sobre el tema. Joe se transformo en mi gurú musical y mi vida nunca fue la misma. También tuve la suerte, a través de mi amistad con el gran guitarrista John Pisano, de poder pasar días enteros con John y Joe Pass escuchándolos tocar, charlar informalmente y tocar con ellos. En esa época me fascine también descubriendo y explorando mas a fondo otros estilos como la música clásica desde Canto Gregoriano hasta la del siglo 20, algo de minimalismo, altas dosis de música étnica y contemporánea de varios países, especialmente la de la India. Otra de mis pasiones es la música de compositores de soundtracks de peliculas como Miklos Rosza, David Raksin, Nino Rota y mucha música del sello alemán ECM.
También te dedicaste a la docencia…
Si, desde hace ya mas de 15 años dedico la mayor parte de mi tiempo a la enseñanza, en Estados Unidos lo hago principalmente en M.I . (Musicians Institute en Hollywood, California , http://www.mi.edu , Grove School of Music y desde el 2002 en el Jazzmasters Workshop en el área de San Francisco, también desde el 97´ escribo columnas instruccionales sobre jazz guitar para Guitar Player Magazine, http://www.guitarplayer.com, lo cual me da muchas satisfacciones no solo porque crecí leyéndola pero también porque le llega a cientos de miles de guitarristas en todo el mundo (para bajar gratuitamente algunas lecciones de Pino para Guitar Player visiten los archivos de la revista en http://archive.guitarplayer.com/archive/index.shtml#lessons). En Argentina me dedico a la enseñanza dando clases privadas y clínicas, no solo a guitarristas interesados en aprender improvisación y el lenguaje del jazz, sino también a otros instrumentistas interesados en expandir su vocabulario y su formación en general. Otro aspecto de la enseñanza que me atrae particularmente es el de compartir conceptos e ideas sobre el rol que cumple un guitarrista en diferentes situaciones profesionales, elementos que de acuerdo a mi experiencia son más importantes para enfatizar que otros a la hora de practicar y prepararte eficientemente. Lo interesante, es que compartiendo mis experiencias profesionales de todo tipo en U.S.A. y Argentina, puedo ilustrar aspectos prácticos un poco más inusuales, de esos que no se encuentran fácilmente en los libros. En la medida de mis posibilidades trato de suavizarle al músico muchas de las situaciones que cuando enfrenta y termina aprendiendo a los golpes, piensa "si solo alguien me lo hubiese dicho antes!" .
A través de tus discografía uno encuentra una fuerte inclinación hacia el jazz. Es frecuente que músicos de rock tengan este cambio. ¿Es que el rock ya no es una forma que les permita expresarse en plenitud?
Los elementos que hacían del rock un vehículo creativo maravilloso desaparecieron a medida que se fue convirtiendo en un gran negocio masivo. De cualquier manera, yo personalmente soy optimista sobre el estado de la música actual, creo hoy en día se hace música tan buena e inspirada como siempre, la diferencia esta en que no pertenece a un rubro que predomina, tipo "Rock esto o aquello" o "Jazz estilo X" o lo que fuere, esta todo más bien repartido entre mil estilos diferentes que en general no son masivos, no están bien distribuidos y muchas veces hasta están escondidos en los livings de las casas de los mismos músicos. Siento que fácilmente puedo armar una pila de 10 CD´s del mas alto nivel grabados en los últimos 5 años, mas allá de gustos o estilos.
La pregunta anterior va enlazada con la siguiente: Uno puede notar en tus trabajos con Crucis un fuerte componente jazzero en lo que hace a tu participación. Además en tus declaraciones uno puede leer que estabas empapado en esta vertiente musical. Tal vez la pregunta pueda replantearse. ¿Eran los 70s el momento de hacer rock, aunque tus inclinaciones musicales sean otras?
Creo que mis intereses siempre fueron muy variados pero a nivel molecular el rock durante esos años era el foco de mi vida, el imán que regulaba mi universo. Obviamente que yo no era el único, la época era así, la mayoría de los protagonistas del rock eran muy abiertos y escuchaban de todo.
Alguna vez te enteraste sobre que discos tenia Jimi Hendrix en su casa? Iban desde Hank Williams a ragas de la India y música de Bach! Paul Mc Cartney, entre tantas otras cosas, asistía a conciertos del compositor contemporáneo Karlheinz Stockhausen, etc, por poner solo un par de ejemplos, es difícil imaginar que todo ese caudal de creatividad saliera de escuchar un solo estilo de música.
En Crucis la guitarra participa cubriendo un amplio espectro de sonoridades. Incluso personalmente creo que los mejores momentos son aquellos en los que hacés un gran aporte melódico. Sin embargo los pasajes en que tocás "rápido" han quedado muy grabados en la memoria de la gente. "Marrone es un tipo que toca a mil" suele decirse. Más allá de lo discutible e injusto que es catalogar de esta manera a un guitarrista, tengo la impresión de que en esos momentos tenías la necesidad de mostrar lo que eras capaz de hacer. ¿Esa necesidad desaparece con los años?
Te seré franco, creo que hay algo muy rudimentario en este tipo de planteo que a esta altura de mi vida me irrita y no necesariamente con respecto a mi sino en general. En principio, quizás la pregunta que uno debiera hacerse seriamente: "Es intrínsicamente bueno o malo tocar rápido o lento?" Yo creo que son simplemente expresiones diferentes de la personalidad musical de cada músico, personalmente nunca sentí una gran necesidad de demostrar que podía tocar rápido y aunque es valido nunca fue mi meta, el contenido de mis improvisaciones creo que tiene mucho mas que ver en mi caso con un proceso mas orgánico, la necesidad de contar historias a través de la guitarra. Es como en una conversación, hay veces en que necesitas expresarte con más palabras, hablar mas rápido, etc y en otras es suficiente con solo un movimiento de cabeza o de cejas. Toda esa discusión inmadura de la que se escucha hablar a músicos y críticos generalmente mas jóvenes es natural en un mundo que asocia automáticamente "cantidad" con "calidad" o que asocia automáticamente "nuevo" con " mejor" sin reparar en el contenido o el contexto histórico. Con ese criterio que consideraríamos mejor? La luz de una vela o 10 lámparas dicroicas?, El Piano Concerto nro 3 de Rachmaninoff o los Gymnopedies de Eric Satie? Es obvio que depende del momento, del contexto, el contenido musical, emocional, y gusto personal. Es mejor la primera parte de un raga de la India, lenta, sin tempo fijo, o la ultima donde tocan rápido? Que significa ser un virtuoso? Simplemente tocar rápido? También hay un hecho real y comprensible y es que lo rápido es más fácil de apreciar, no necesita de mucho conocimiento ni habilidad para apreciar detalle de parte del oyente. A toda la gente con esa confusión le sugiero que la superen de una vez por todas, crezcan, y ¡disfruten de la magia de la música en toda su dimensión!
Cuando falleció George Harrison tuve oportunidad de leer una nota muy emotiva en la que destacabas muchos aspectos de su obra. Debo decirte que en un primer momento me sorprendió que un guitarrista como vos elogiara tanto sus trabajos.
No debería ser tan sorprendente, era un Beatle con todo lo que eso significa, por otro lado, el aporte de George no tiene precedentes en la historia, nunca antes un solo guitarrista creó tantas cosas originales, importantes y variadas en el lapso de 10 años. Aprovechare tu pregunta para hacer una repasada de solo algunos de sus aportes:
El solo de acordes de "All my Loving", la guitarra bossa nova de "Til there was you", el feedback del comienzo de "I feel Fine", ese sonido Liverpool-Chet Atkins que sacaba de la Gretch en temas como "Baby´s in Black", la magia de la parte con sonido a pedal de volumen (hecho con el potenciómetro de la guitarra por John arrodillado mientras George tocaba) en "I need you", la guitarra raga-ambient reproducida con la cinta al revés de "I´m Only Sleeping ".
Muchas de las partes que George toco son de lo mas extraño y bizarro que alguna vez encontrarás, simplemente trata de copiarlas y tocarlas igual
junto al CD…buena suerte!
Pero no queda ahí, también introdujo masivamente al mundo a la música de la India y al concepto de World Music con el maravilloso sitar de "Norwegian Wood" , el tema "Within you Without you" (de lo mejor que tenía Sgt Pepper), el soundtrack psicodelico/ avant/ indian de la película "Wonderwall" (grabado entre Londres y Bombay), su estilo tocando slide al que afectuosamente titule "Missisipi/ Bombay", tan personal y escalofriante como por ejemplo en el solo de "Free as a Bird", con esa todopoderosa -me dan vuelta los ojos y veo el universo dentro mío- onda...., el vuelo por toneladas de "Only a Northern Song", letra, música, aura, ...que músico emocional!!!! , el solo épico de "Something", también una de sus mas hermosas composiciones, las guitarras distorsionadísimas de "Savoy Truffle", tantos sonidos, tanta imaginación y vuelo, podría seguir durante días y días. Cualquiera de estos sonidos le darían a la mayoría de los guitarristas post-George un estilo al cual dedicarse por el resto de sus días y todavía ni entramos en la belleza evocativa de su canto, el anhelo en su fraseo, en fin. El mundo es un lugar mucho mas feo y solitario sin George, lo extraño.
Volviendo al anterior tema. Escuché "Under The Influence" luego de leer algunos comentarios tuyos sobre la instrumentación, lo que me motivó a prestarle atención a algunos aspectos. Particularmente en lo que hace a la forma de tocar. Parece que cada nota es fruto de una reflexión sin que importen demasiado los aspectos que hacen que un guitarrista se luzca en una escucha superficial.
Gracias, siento que es la grabación con el clima mas relajado que hice alguna vez, estábamos todos muy conectados y pasando un lindo momento en el estudio. La interacción, el diálogo musical fluido, creo que es lo mas importante para mí en la música hoy en día, en este caso fue como tocar un concierto en vivo en el estudio, sin regrabaciones para los solos o segundas partes, lo que oís es exactamente lo que ocurrió, el disco fue grabado sin ensayo en 12 horas y mezclado en otras doce. Siento que para mí es importante capturar esa magia en un CD. Para asistir mi tarea de productor decidí grabar un par de tomas de cada tema y volver al estudio a los 15 días sin escuchar lo que había quedado durante ese periodo y con una mente abierta, sin recordar como me sentí al tocar cada nota o para donde hubiera querido ir y no fui. Elegí la toma que tenia el mejor feeling general e interacción, las tomas que quedaron son generalmente la primera o la segunda.
¿Pensás que es un disco que puede ser asimilado por el publico general o es más una obra de esas de las que se dice "es un disco para músicos", más bien dirigido a un público "educado" en estas vertientes?
Puede que sea un poco así, pero vale aclarar que definitivamente no se trata de un elitismo de clase social o étnica, convengamos que hasta para los que están expuestos a sus obras, mas allá de gustos -y obviamente sin
incluirme en esta liga- Picasso no es necesariamente para cualquiera, ni Stravinsky o John Coltrane y tampoco lo es el rock progresivo, la música de Yes o Gentle Giant o inclusive la de Spinetta. Pongamos las cosas en perspectiva por un momento, la mitad de la población mundial generalmente esta lidiando con pobreza, hambre, gobiernos represivos o ineficientes o guerras, esa gente no tiene ni como escuchar CDs! De la otra mitad, la mayoría trabaja 9 horas por día tratando de sobrevivir y mantenerse sanos, ¿cuanto tiempo puede tener la mayoría de la gente para aprender a apreciar a Olivier Messiaen, Jim Hall, Borges o Fellini?
Lo que sí creo fervientemente es que en esta era que esta viviendo el mundo, la búsqueda de la belleza y de algún significado profundo, en mi caso a través de la música, se hace cada vez más importante, mas allá de a cuanta gente le guste o la comprenda, a medida que la mediocridad afea diariamente nuestras vidas, siento que si llegara el día en que los ideales como la búsqueda de la verdad y la belleza se volvieran irrelevantes, sería mejor callarnos todos la boca y volver a vivir en cuevas en estado primitivo.
Hablanos por favor de los músicos participantes en el álbum.
Bob Magnusson fue el primero que elegí, Bob es uno de los grandes contrabajistas de la historia y era el favorito de Sarah Vaughan por su increíble habilidad para acompañar baladas muy lentas. Tuve la suerte de trabajar muchísimo a su lado cuando los dos enseñábamos en el Musicians Institute en Hollywood y allí descubrí, toda otra faceta ultra contemporánea de su manera de tocar que no esta tan documentada, un ejemplo de esto es nuestra versión de "Evidence" de Thelonious Monk en la cual, con mucha maestría, deja espacios o decide "enmascarar" la armonía en lugares estratégicos. El baterista Dick Weller es perfecto para guitarristas de jazz por su sensibilidad a las dinámicas y su concepto de orquestación en la batería, con Dick nunca hay conflicto con la guitarra en términos de registro. Dick puede "swingear" y crear a muy bajo volumen, es muy sensible a la melodía y a la armonía, esta cualidad es generalmente muy difícil de encontrar en un baterista. Para el dúo con John Pisano ( http://www.flyingpisanos.com ) nos decidimos por guitarras con cuerdas de nylon, la idea era tocar una bossa nova con el mismo feeling casual con que lo hemos hecho durante casi dos décadas en la cocina de su casa y lo logramos. Con John es muy facil, el es la esencia de la guitarra rítmica, es ese tipo de músico que cuando acompaña genera un ambiente difícil de describir con palabras, tocó en discos clásicos de Joe Pass como "For Django", y creo que fue uno de los principales guitarristas que ayudó a poner en el mapa de USA la guitarra brasilera post -Joao Gilberto con Brasil 66 (el grupo de Sergio Mendes), también toco con Benny
Goodman y hoy en día graba con gente como Claus Ogerman o Diane Krall, es mi amigo y un super héroe! Cuando sea grande quiero ser como él. Para mis dúos de contrabajo y guitarra tuve el honor de contar con
Putter Smith ( http://www.puttersmith.com ), uno de los tesoros escondidos de la Costa Oeste, un músico muy original, contrabajista zen que toca muy pocas notas en lugares inusuales manteniendo una lógica muy particular. Putter también es actor, todos lo hemos visto como el científico villano de "Los Diamantes son Eternos" de James Bond. Mi versión en dúo con Joe Diorio del tema de Monk "Well you needn´t " fue lo más fácil de todo, solo una continuación de algo que venimos haciendo informalmente desde hace mas de 15 años. Joe es el músico más increíble que conocí en mi vida y me siento muy afortunado de ser su discípulo y haber tenido la suerte de haber sido influenciado por el desde hace ya tantos años, pasando horas y horas tocando, escuchando música, charlando sobre creatividad y observando la vida. Joe es mucho más que un músico de jazz increíble, es realmente un sabio, un gurú, un artista extremadamente original y un ser humano con una profunda espiritualidad. En la década del 70 tuvo mucha influencia en la mente y los dedos de Pat Metheny y Jaco Pastorious entre otros.
Gabriela, tu esposa, también figura descollante en la historia del rock argentino está trabajando con Bill Frisell. Siendo vos también guitarrista tendrás opinión formada sobre él. Quisiera conocerla, por favor.
Bill es único, aparte de su increíble aporte al sonido y el rol de la guitarra en el jazz, su mente musical tan libre ha encontrado como sintetizar todas esas influencias generacionales de las que hable anteriormente como pocos, con todo tipo de formaciones y composiciones inusuales y familiares al mismo tiempo. También y quizás aun más importante, cada vez que lo escucho tocar siento que hay magia, ese atributo tan difícil de explicar en términos musicales, esa cualidad extática de los que están buscando permanentemente. Como improvisador es genial, en sus mejores solos podes encontrarlo eligiendo ciertas notas como si estuviera recordando poco a poco los detalles de una vieja historia uno por uno. Bill es para mí una enorme inspiración. Su música, a veces simple, otras muy compleja, llena de intensidad y belleza, me da esperanza en el futuro de la música y me siento muy afortunado de haber observado su mundo mas de cerca en los últimos años gracias a sus colaboraciones maravillosas junto a Gabriela (para averiguar mas sobre los trabajos de Frisell y Gabriela visiten el sitio de Songline/Tonefield Productions en San Francisco, California. http://www.songtone.com )
Vos sabés que Crucis goza de un enorme prestigio en los ambientes del rock progresivo. Durante los 90s y en la actualidad se ha dado el fenómeno de reunificación de varias bandas. Incluso Alas, con parte de sus miembros viviendo en EEUU, se ha reunido recientemente. ¿Es posible esperar algún tipo de reunión de Crucis?
Creo que es muy difícil, seria lindo si se diera naturalmente y por razones de afinidad en lo musical y a escala personal sintiéramos la necesidad de expresar algo nuevo juntos, creo que lo más positivo y poderoso de Crucis salía por esas razones.
¿Mantenés contacto con los otros miembros?
Poco y nada, ojalá esto cambie en el futuro.
Muchísimas gracias Pino…
Gracias a vos por darme esta oportunidad.
¿Cuándo tocás en Argentina?
Este año vamos de gira a USA con Gabriela y una bellísima formación con contrabajo y violín, es nuestra intención hacer algunas actuaciones en Buenos Aires antes de partir, los que deseen estar informados sobre esta o cualquier otra de mis actuaciones pueden visitar periódicamente mi sitio no oficial en: http://www.pinomarrone.8k.com
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